ROSSETTI arte contemporanea

Ceci n’est pas Pop Art
2022-06-25 20:00 - 21:30 (Europe/Rome) | Genova
From American Pop Art to European Pop Art: it often happens to juxtapose artists and images with this current.

But what is Pop Art, what concepts does it encompass? What can be considered Pop and what cannot?

The late 1950s and early 1960s saw the birth of Pop Art, a movement that was an expression of consumer society and mass communication.

According to some, Pop Art-popular art-must be reproducible and therefore for everyone, it must represent the new reality.

According to others, Pop Art is a denunciation of the existential angst of chaotic emptiness disguised in bright, eye-catching colors.

Through a narration led by speaker Armando Battelli, we will try to discover together this movement, its origins and evolutions!
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Genova 60
2022-06-09 20:00 - 21:30 | Palazzo Saluzzo, Via Chiabrera, 7, Genova, (GE), 16123, Italia
On the occasion of the exhibition “Genova 60,” which will open from April 14 to July 31, 2022 at the Palazzo Reale in Genoa’s Falcone Theater, Galleria Studio Rossetti is hosting a meeting with curator Luca Leoncini, organized and introduced by Enrica Perilio.

The event will be held on Thursday, June 9, at 6 p.m. in the atrium of Palazzo Saluzzo, Piazza dei Giustiniani.

The aim of this grandiose fresco-exhibition is to tell the story of the great transformations of Genoa in the 1960s, a decade of profound changes due to the burst of new ideas and renewed cultural stimuli, significant social changes, economic innovations and new languages that marked an acceleration in the productions of the visual arts.

In a handful of years old Genoa was transformed, attracting great professionals from outside but also galvanizing its own cultural resources to turn visions into reality. The exhibition addresses this energy of growth across the board, as creativity was stimulated in all areas, from art and design to music, culture, and economics.

Learn more about the exhibition at the following link:
https://palazzorealegenova.beniculturali.it/genova-sessanta/

“Thank you for shopping” by Florence Di Benedetto
2022-05-20 20:00 - 2022-06-19 21:00 | Genova
The artist Florence Di Benedetto, succeeds in entering an intimate dimension, where everyday objects become themselves symbols, domestic icons, within the reach of all.
In this exhibition, “Thank you for shopping!” the artpieces represent “Things” that acquire a real personalization: they are able to speak to the consumer and put them before the overabundance of products and the ease with which our society, up until now, is accustomed quickly acquire them.
The supermarket, then, is a place symbolic of pop culture, where everything is available in infinite quantity and variety. But also a sacred place, a secular temple, a repository of hopes and desires.

Consumerism as a modern religion. Just as believers of all faiths trust rituals and prayers to show them the way, we too, today more than ever, look to objects for the fulfillment of our destiny, the meaning of what we do, and who we are.
In a time in which precariousness and solitude abound, we tend to surround ourselves with things that we imbue with broader and deeper meanings, with the aim of finding consolation, a form of reassurance.
The aesthetic beauty of the works on display makes the immersive experience enjoyable and fun. The viewer becomes an active part of the process, gets involved and leaves satisfied.

The divine mechanics
2022-04-29 | Rossetti Underground, Via Chiabrera, 7, Genova, (GE), 16123, Italia
A conversation between Davide Puma and Dr. Sara Taglialagamba
In Davide Puma’s artistic journey, it is customary for science and poetry to merge into a single overall vision, creating a powerful and entirely personal language. Their divine resonance transforms visions into images, creating a cosmogony of energy, elements, matter, and atoms that, colliding with each other, catapult the viewer into an ideal world entirely dominated by nature populated by metamorphic animals under the protection of primal goddesses.
This is the theme of the exhibition: in line with a philosophical thought rooted in antiquity, Puma proposes the idea of a universe understood as a living organism in continuous becoming and the result of mechanical iteration between elementary particles. It is precisely through reflection on the theme of movement, change, and the incessant transformation of nature that the artist succeeds in shaping his personal intuition of the world and contributing to the unceasing learning of that “mechanics of the universe,” which is the basis of all his paintings. This divine eurythmy manages to materialize in his gardens, which become ideal and idealized places of creation, stripping themselves of their figurative meaning but dressing themselves in the role of archetype. In Puma’s mind, his gardens are the place where the matrix symbols of the universe are manifested: they are the places inhabited by his creatures that take on continuous metamorphoses, charging themselves with hidden meanings and allegories; they are the places of revelation of his thought under the unchallenged dominion of Queen Mothers of nature and all the elements.
Sara Tagalialagamba
An Art Historian, PhD and Post PhD (Ecole Pratique des Hautes Etudes, Sorbonne, Paris), she has been a historical collaborator of Professor Carlo Pedretti, the world’s foremost Leonardo da Vinci scholar and holder of the Chair of Leonardo Studies at UCLA Los Angeles. She has taught at prestigious institutes in Italy and abroad, publishing monographs and articles and receiving awards of the highest caliber. His favorite fields of study are static and dynamic mechanics, automations, robotics, engineering, hydraulic and pneumatic contrivances, fountains, and horology. His first book, “Automations and Robotics of Leonardo da Vinci,” published in 2010, received an honorable mention from Scientific American magazine in an article on some automata built at Nasa. In addition to being involved with numerous international conferences and on the scientific committee of important exhibitions in the year of celebrations for the five hundredth anniversary of the death of Leonardo, she has the book Leonardo Industrial Designer coming out where she studies a new theme marked by the combination of beauty and utility. She was invited as a TED SPEAKER in Bergamo. Already a visiting professor at the Robotics department of UNAM in Mexico City and at UCLA (Los Angeles, USA) and a scholarship holder at the Museo Galileo in Florence, he is currently director of the Nuova Fondazione Rossana e Carlo Pedretti and is an associate professor at the Department of Philosophy and History of Science at the University of Urbino. He loves contemporary art and is responsible for organizing events, exhibitions and meetings at prestigious historical, public and private institutions.
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“Altro non posso fare che germogliare e fiorire” by Davide Puma
2022-03-24 - 2022-04-24 | Genova
The artist Davide Puma, originally from Liguria and fond of the colors, scents and lights of this land, after having exhibited his paintings internationally, returns to his origins and with his arrival in Genoa, spring blooms.
The artworks created for the exhibition “Altro non posso fare che germogliare e fiorire” (I can’t do anything else but sprout and blossom) are hypnotizing and seem to whisper sweetly to us to immerse ourselves in them, in order to find and amaze ourselves in front of natural spectacles, in a cradling and flourishing nature.
For the occasion, the gallery has commissioned the communication agency Siks Adv to create a new video that will be projected for the entire duration of the exhibition in one of the rooms of Studio Rossetti Underground, to guide the viewer in the interpretation of the personality and artistic vision of Davide Puma.
Davide Puma’s marvelous gardens open like doors to fantastic worlds and become portals to a comforting peace.
The guiding force behind Davide Puma’s exhibition is, in fact, nature, with which he has an intimate and deep-rooted relationship. It contains, in all its vital forms, in its language and in its components, what for the artist represents the meaning of the universe. Puma’s artistic imagery describes nature transcending its physical dimension, the atmospheres it suggests oscillate between the fairy-tale and the dreamlike.
The delicacy and lightness that run through Davide Puma’s canvases lead to a reflection on nature and on the superior laws that determine it and allow each element that is part of it to move and change.
The importance that Puma attributes to color, to the expression of nature and to light determined the choice that the artist made to move to paint in the Ligurian town of Bordighera. A place particularly linked to art, with bright energies and brilliant details. Even Monet, traveling with Renoir, was enchanted by this place for its lights and its pink and blue colors, which are the same in which Davide Puma dips his brushes.

Synthèse visuelle. Scomporre in frame l’attimo. Il diario di una ricerca
2022-03-12 18:30 - 20:30 | Genova
In occasione della mostra Monet. Capolavori dal Musée Marmottan Monet di Parigi, a Palazzo Ducale a Genova, la Galleria Studio Rossetti presenta il volume Monica Gorini. Synthèse visuelle. Scomporre in frame l’attimo. Il diario di una ricerca, edito Vanilla Edizioni, un diario-ricerca che l’artista Monica Gorini ha realizzato a seguito di un viaggio “geografico ed artistico fatto di colori, di natura, di pensiero e di poesia, con le ninfee negli occhi, la pittura di Monet nel cuore e il desiderio di colore nella testa”.
La presentazione si terrà sabato 12 marzo alle ore 17.30, alla presenza dell’editore, dell’autrice e di Lorella Giudici, autrice della prefazione.“A settantaquattro anni Claude Monet iniziava il suo ultimo e monumentale progetto: i pannelli per l’Orangérie. Su dodici tele dalle dimensioni maestose e per più di dieci anni, Monet ha lavorato a quello che possiamo definire il suo testamento artistico e spirituale: le Ninfee. Nel suo giardino di Giverny, dove ogni centimetro di terra, d’acqua e di prato è stato appositamente costruito per soddisfare la sua pittura, l’artista ha realizzato il suo sogno: la fusione totale di arte, colore, natura e infinito.
Il racconto di Monica Gorini ha inizio proprio dai luoghi vissuti da Monet: da Etretat, Honfleur, Le Havre e, ovviamente, Giverny. Per due anni Monica ha idealmente dialogato con il Maestro in un lungo viaggio, geografico botanico ed artistico, ricco di emozioni, di immagini, di ricerche e di scoperte che ha racchiuso tra le pagine di questo diario, in una narrazione coinvolgente, fresca, immediata, ricca di riferimenti culturali e umani.
Con le ninfee negli occhi, la pittura di Monet nel cuore e il desiderio di colore nella testa, Monica ha poi cercato la propria dimensione artistica traducendo le “impressioni” in un linguaggio concettuale. L’obiettivo, quindi, non è rifare Monet, dipingere i fiori o il paesaggio di Giverny, bensì trovare, attraverso i luoghi della sua pittura, il “segreto del colore” e trasformarlo in una sorta di legge empirica, in un personale sistema cifrato che racchiude la natura, l’anima e la psiche”.
(Lorella Giudici)
Monica Gorini (1967) è un’artista che vive e lavora tra Milano e il Lago d’Orta. Diplomata all’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano, con docenti eccellenti come Elena Pontiggia e Paolo Minoli, ha da sempre affiancato all’attività artistica la formazione in ambito pedagogico didattico collaborando con l’Università Bicocca di Milano e l’Accademia di Belle Arti di Brera. Sensibilmente legata al mondo della natura e dei diritti è alla ricerca di un’estetica che stimoli riflessioni attuali ed intime, finalizzate allo sviluppo di una coscienza sociale e di una nuova ecologia spirituale del mondo.
Lorella Giudici (1965) è professore di storia dell’arte contemporanea all’Accademia di Belle Arti di Brera di Milano. Dopo una laurea in Lettere Moderne con indirizzo storico-artistico all’Università Statale di Milano e una in pittura all’Accademia di Belle Arti di Brera, cura mostre e si occupa dell’arte tra Ottocento e Novecento, con particolare interesse al periodo tra le due guerre. Scrive per il TGCOM e per riviste del settore. È membro del comitato scientifico della Fondazione Remo Bianco, della Fondazione Sangregorio e dell’Archivio Dadamaino. È stata direttrice del Museo del Paesaggio di Verbania.

“L'arte di legare le persone” by Paolo Milone – Einaudi Publisher
2022-03-02 18:00 | Palazzo Saluzzo, Via Chiabrera, 7, Genova, (GE), 16123, Italia
“L’arte di legare le persone” (Einaudi Publisher) is a book that one struggles to define and any definition remains incomplete.
How often we speak of doctors as heroes, martyrs, victims–in truth, outside of rhetoric, men and women exposed to evil. Passionate and fragile, fallible, mortal. Paolo Milone has worked for forty years in emergency psychiatry, and he tells us exactly that. Naked and biting, without discounting himself. With a music all his own, he catapults us inside Ward 77, where the mystery of mental illness coexists with the very human everydayness of those who, at the end of their shift, must take off their scrubs and remember to buy milk.
One year after its release, Wednesday, March 2 at 6 p.m, The Meltin Pop blog and Rossetti Arte Contemporanea gallery are organizing a meeting with author Paolo Milone, who will dialogue with his readers, accompanied by writer and psychotherapist Bruno Morchio.
Readings by Lucia Caponetto.The meeting will take place at Rossetti Arte Contemporanea
at Via Chiabrera 33r Genoa.
Poster

Lo stravolgimento della figura tra esigenze stilistiche ed espressioni esistenziali
2021-12-16 19:00 - 20:30 | Genova
La figura umana è la rappresentazione in grado di comunicare meglio quelle che possono essere le sensazioni e le emozioni delle persone. Anche gli oggetti possono trasmettere il pensiero di un artista: basti pensare a Giorgio Morandi, capace di trasformare una semplice natura morta in elegie sull’esistenza. Tuttavia, la figura umana, in quanto espressione della parte umana della vita, è riconosciuta come la più comunicativa sotto diversi punti di vista.
In questa conferenza, perfettamente in linea con la mostra in corso Verdad Muda, di Evita Andújar, il relatore Armando Battelli si addentra nell’interessante aspetto che confronta lo stile dell’artista con la sua intenzione comunicativa.
In alcuni casi, la figura è appositamente distorta nel senso estetico, allo scopo di esprimere un sentimento di angoscia, innamoramento, sorpresa, straniamento; altre volte, la stessa viene manipolata per ragioni stilistiche.
Quando Picasso costruisce un quadro, non lo fa per sentimento, a differenza del collega Munch, ma per equilibrio formale, che ha un significato all’interno dell’arte espressiva. In questo caso, la figura stravolta non vuole esprimere un malessere o, in generale, un sentimento, bensì vuole creare all’interno di uno stile il suo movimento stilistico, vuole costruire l’immagine. Donatello, Caravaggio, lo stesso Renoir, non stravolgono la figura per esprimersi, al contrario esprimono il loro sentimento con una figura esposta in un certo tipo di modo: la figura stravolta non è solo tale in senso espressivo ma anche stilistico.
Vi aspettiamo giovedì 16 dicembre alle ore 18.00 per approfondire questa tematica attuale e stimolante, circondati dalle opere di Evita Andújar.
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Suggestioni e nostalgie del Giappone nella pittura occidentale
2021-12-15 19:00 - 20:30 | Rossetti Underground, Via Chiabrera, 7, Genova, (GE), 16123, Italia
Venerdì 5 novembre, alle ore 18:00, presso la nostra galleria, verrà presentata la conferenza Incontri in galleria del relatore Armando Battelli, storico e perito d’arte, dal titolo “Suggestioni e nostalgie del Giappone nella pittura occidentale dal XIX secolo ad oggi”.
Verrà approfondito il Japonisme, ossia l’influenza che ha avuto l’arte giapponese sui grandi maestri occidentali, in particolare sugli artisti francesi.
Questa passione per l’arte giapponese non avrebbe avuto luogo se le stampe giapponesi non fossero sopraggiunte in Olanda tramite la Compagnia delle Indie, e poi diffuse in tutta Europa. Gli artisti europei che vennero influenzati dall’arte giapponese furono: Van Gogh, Monet, Manet, Degas, Renoir, Pissarro, Klimt, Charles-Louis Houdard e moltri altri, che scopriremo insieme.
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“Verdad Muda” by Evita Andújar
2021-11-25 19:00 - 2022-01-09 20:00 | Genova
Studio Rossetti Gallery welcomes the winter exhibition season with the opening of “Verdad Muda,” the solo exhibition of Andalusian artist Evita Andújar, curated by Raffaella Salato. The exhibition will open to the public on Thursday, November 25, and will be on view until January 9, 2022.
“A continuous narration that proceeds by snapshots, a story made of still images (or, as we say today, of “screenshots”) that are assembled in a complex puzzle, varied and constantly evolving: this is the feminine universe of Evita Andújar, the undisputed protagonist of the poetics of the Andalusian artist, who always works in the balance – but with skillful mastery of intention and gesture – on the ridge that runs between figuration and abstraction.
The exhibition entitled ‘Verdad muda’ collects a series of paintings from the cycle ‘Stolen Selfie’, inspired by the paradox of our hyper-technological society, overexposed to a continuous flow of images and information that, however, often lack real content. The identities that social networks obsessively send back to us are only pale simulacra of a reality that few, by now, bother to penetrate and know: so Andújar distorts and erases these surface individualities with the declared aim of provoking an alternative reflection, of shifting the focus from appearance to substance.
Evita’s women, as she herself has often explained, are at the same time her alter-ego and archetypes of contemporary femininity, enclosing in themselves on the one hand the reflection of the artist’s multiple nuances, and on the other hand paradigmatic images of today’s woman, immersed in a complex, restless, buzzing reality, which forces her to be – to paraphrase Pirandello – “one, none and a hundred thousand”, in a perpetual dialectic with the mutability of human relationships and the fleeting nature of existence.
This sense of elusiveness and temporariness, from which none of us is immune, is translated on Evita’s canvases, evidently transfiguring the protagonist, she, the woman: although undeniably the center of the scene, as happens in the tradition of the portrait, the female figure loses its identity, which often liquefies in the domination of the pictorial matter on the image (as in ‘Stolen Selfie 69 or Brezza’), sometimes she deliberately hides or subtracts herself (for example, in ‘Stolen Selfie 45 or Hide what you are not’), other times, finally, she doubles in partial reflections of herself that never give back a definite identikit (‘Stolen Selfie 56 or In the white of tomorrow’).
The final result, in the eyes of the observer, is that of a suspended tale, crystallized in a fragment of the present that gives no answers, in which the solitude of the woman – in Andújar’s paintings there are never any characters in the background – becomes a symbol and personification of the estrangement of today’s world. In this sense, it is almost natural to draw a parallel with the women of Edward Hopper, master of American Realism of the 20th century: it is as if Evita’s canvases, which have an almost cinematographic flavor, like frames of a film shot indoors, were narrating our personal crisis, our intrinsic solitude. Observing her paintings has an almost cathartic effect: it is like looking at ourselves reflected in a mirror that shows us as we are, offering us an opportunity to better understand our existential condition.
And yet, in the artist’s canvases there is always an element of hope, a tension between physical space, time and emotions, a spark that leads us to question ourselves on the “what” and the “why”: the accuracy of the rendering of certain details in the setting (representing mostly bourgeois domestic environments), the never casual use of light and color (the intense blues, the bright reds, the flashing whites), the poses or gestures of the figures that never appear passively static but rather traversed by a composed and controlled subterranean restlessness, suggest to us a story that has yet to be written, an “other” key to interpretation that emerges through the different interpretive levels of the work, a verdad muda that presses inexorably for a voice. ”
Raffaella Salato

Inaugurazione dello Studio Rossetti Underground
2021-11-23 | Rossetti Underground, Via Chiabrera, 7, Genova, (GE), 16123, Italia

“Noncestoria” by Gianni Ansaldi
2021-11-08 18:30 | Palazzo Saluzzo, Via Chiabrera, 7, Genova, (GE), 16123, Italia
Photographer Gianni Ansaldi, in his first narrative work, composes a novel with experimental features in which a tight sequence of prologues and epilogues alternates instead of traditional chapters.
The time is that of a dream, spiraling: past and present intertwine and blur. The two characters who animate the story are destined for a fateful encounter.
One lives in many pasts made unreal by memory, the other in a present made unreal by drug chemistry. When they both arrive in a real present for one of them it is the end.

Big in Japan
2021-11-04 18:00 - 20:30 | Genova
Due giorni dedicati alla cultura giapponese in collaborazione con un’altra realtà della Piazza, lo studio di progettazione architettonica Spazio Giustiniani.
L’evento inizia giovedì 4 alle ore 17:00 con il workshop esperienziale di scrittura orientale, tenuto dall’insegnante Rosanna Musumeci, docente certificata a livello internazionale di Chue Style Feng Shui, nonché progettista e designer degli spazi secondo il feng Shui. La scrittura orientale non è solo comunicazione, è arte. Lo spazio della carta viene interpretato come fosse uno spazio fisico, vanno calibrati i pieni e i vuoti, in un perfetto equilibrio Zen. Ospitati dallo showroom di progettazione d’interni Spazio Giustiniani, saranno a disposizione gli strumenti tradizionali del calligrafo: pennelli, inchiostro di china e rosso cinabro. Partendo dal Vuoto della carta per comporre la propria personale opera.
La giornata prosegue alle 18:00 presso lo Studio Rossetti con la degustazione di tè giapponese di Peter’s Tea House, lo store specializzato del centro storico di Genova dove si respira il fascino tradizionale della cultura orientale, che si fonde con la contemporaneità. Un’esperienza di cultura e ospitalità, un viaggio multisensoriale dove il senso del gusto e dell’olfatto insieme a quello della vista e dell’udito invitano a perdersi nell’affascinante piacere del tè. Il tutto immersi nell’atmosfera della mostra Hinomaru di Tom Porta.
A seguire alle 18:30 presentazione dell’incontro Emozioni nell’arte – La comunicazione emotiva, a cura del counselor Simone Rigalza. Le emozioni che proviamo e che ascoltiamo danno vita ad espressioni artistiche.
E’ necessario e imprescindibile imparare a riconoscere e a cogliere egli stimoli che nascono dai nostri moti interiori: il nostro pensiero si genera e si evolve grazie alle emozioni che ci animano. Per esprimere nella maniera più efficace ed autentica il nostro lato creativo dovremmo imparare a farci guidare dalle emozioni. Emozioni nell’arte, vogliono essere un punto di ritrovo all’interno di ognuno di noi.
Dalle 19:00 ci si riunisce per la musica in Piazza Giustiniani selezionata da Stemc, per concludere in compagnia questa prima giornata di eventi dedicati al mondo nipponico.
Il giorno seguente, venerdì 5 novembre, alle ore 18:00, il ritrovo sarà presso la nostra galleria, dove verrà presentata la conferenza Incontri in galleria del relatore Armando Battelli, storico e perito d’arte, dal titolo “Suggestioni e nostalgie del Giappone nella pittura occidentale dal XIX secolo ad oggi”. Verrà approfondito il Japonisme, ossia l’influenza che ha avuto l’arte giapponese sui grandi maestri occidentali, in particolare sugli artisti francesi. Questa passione per l’arte giapponese non avrebbe avuto luogo se le stampe giapponesi non fossero sopraggiunte in Olanda tramite la Compagnia delle Indie, e poi diffuse in tutta Europa. Gli artisti europei che vennero influenzati dall’arte giapponese furono: Van Gogh, Monet, Manet, Degas, Renoir, Pissarro, Klimt, Charles-Louis Houdard e moltri altri, che scopriremo insieme.

“Hinomaru” by Tom Porta
2021-10-07 20:00 - 2021-11-07 20:00 | Genova
In the exhibition “Hinomaru”, the artist presents us 20 unpublished works created specifically to take the viewer back to Japan of the ‘900.
The subjects painted by Tom Porta bring back a past made of tradition and rituals that doesn’t want to tell the Story but gives prominence to the aesthetics that belongs to Japanese culture.
The Geishas move away from the collective imagination to become wearers of refined kimonos.
Ethereal women who seem to come out of an old photo, whose worn edges cannot swallow them.
We become spectators of a suspended world that narrates about values and codes. The same as those embodied by the pilots, represented and believed by the artist in Hinomaru.
Evanescent figures whose proud eyes do not even touch us. In the foreground is the face. The uniform, almost unfinished, doesn’t matter: they are first men and then soldiers.
The planes and the ships seem to come out of the fog. As if they were visions that take shape heading towards the West.
Hinomaru is the solar disk on the Japanese flag. A symbol already used on the flags of the samurai, the Rising Sun.

“Chromestesia” by Gianluca Patti
2021-06-17 20:00 - 2021-07-17 21:00 | Genova
The exhibition season of Galleria Studio Rossetti continues with the exhibition entitled “Chromesthesia” by artist Gianluca Patti, for the first time in a solo show in Genoa.
The exhibition will be inaugurated on June 17 in conjunction with the opening of the Genova Design Week, an event that will have as its fulcrum Piazza dei Giustiniani, where the gallery is located.
Gianluca Patti, eclectic and sensitive artist, has the innate ability to create a synergistic link between matter and color, able to involve the viewer within his works. His practical knowledge of building elements and his ability to create balanced and intense colors leads him to create material, visual and sound compositions of great impact.
In the exhibition Patti stages the cycle of the seasons and interprets, in an artistic and personal way, the Symphonies of Vivaldi’s 4 Seasons. The twenty works in the exhibition lend themselves not only to being observed but also to being listened to and seem to release musical notes provoking powerful visual and auditory sensations and perceptions.
Studio Rossetti for this occasion, sets up the rooms of the Underground space through an exhibition path that allows you to grasp the close link between music and art that leads the viewer to perceive the changes of the seasons and the feelings that distinguish them.
The exhibition wants to be an immersive experience, allowing the deepest emotions to emerge and the observer to plunge into an abyss of colors making a journey into the unconscious and memory.
The works of Gianluca Patti have a dreamlike dimension, they are endowed with an intrinsic meaning, interpretable and unique depending on who observes them, taking on individual values and able to address each of us, with our personal stories, our desires and our sensitivity.

Astrattismo e astrattismi. Origine e declinazione dell’arte non figurativa
2021-05-13 20:00 - 21:30 | Genova
“L’arte oltrepassa i limiti nei quali
il tempo vorrebbe comprimerla,
e indica il contenuto del futuro.”
Vasilij Kandinsky
Scopriremo i padri fondatori e tutte le figure salienti dell’astrattismo, il movimento le cui opere – pittoriche e non – esulano dalla rappresentazione decifrabile del mondo.
Un linguaggio di forme, colori e linee che creano composizioni indipendenti e senza alcun appiglio che possa ricondurre ad immagini note e conoscibili.
Un viaggio nella negazione della realtà per esaltare il sentimento puro.13 maggio 2021 ore 18.00Visualizza il video

“Deep Down” by Silvio Porzionato
2021-03-25 19:00 - 2021-04-25 21:00 | Genova
Studio Rossetti Gallery hosts, for the first time in Genoa, Silvio Porzionato, an artist discreet in personality but with a powerful echo that travels all over the world.
Of international breath and fame, after having participated in the most famous and influential exhibitions, and after having held exhibitions in the most avant-garde cities and capitals, he arrives in the Ligurian capital.
In the exhibition “deep down”, Porzionato presents unpublished paintings specially designed and for this special occasion the Studio Rossetti inaugurates the new space “I Sotterranei della Galleria”, located underneath the Gallery, with the intent to give us back a beauty until now hidden.
The ancient vestiges, brought to light respecting the designs and elegant architecture of origin, are now reborn to new life: remote charm and mystery are mixed perfectly by preserving the roots and secrets of the historic Palazzo Saluzzo above.
Everything here speaks to us of a past that was memorable and that leaves the baton to Studio Rossetti in a harmonious dialogue between what has been and what will be.
When we face the descent we have time to prepare ourselves emotionally, as before a deep dive, to immerse ourselves in the silent, intimate and magical atmosphere of the rooms that host the exhibition.
Silvio Porzionato wanted to dress the walls with “clothes” made to measure and suitable for such a jewel. Capitals, cross vaults, arches and pillars create crossroads and masterful paths and lead us towards his works which are endowed with an instinctive magnetic force and radiate the surrounding darkness.
Of an “ancient” romanticism, the scenic spectacle, which opens in front of our eyes, is a curtain that reveals faces that tell intriguing stories, whisper us their emotions and trigger others, intense, within us.
The characters described by the artist remind us of the majesty of Greek comedies, the personality of Aristophanes’ actors, in the colors and energy of the shapes and poses.
Painted with soft but vigorous brushstrokes like the beating of butterfly wings, they delicately rest on the canvas and fly into the environment until they envelop us.
The vibrant colors determine the charge of the figures, they are ironic but dramatic at the same time.
The end result is a shock to our visual perception and our soul.
Although intimate, in the dimension of the portrait, the subjects are represented with spontaneity, in fleeting poses, but they are able to generate such an empathy between us and them that we think we have already met them.
They tell us about their lives that seem to intertwine with ours.
They leave us with the desire to listen to the story of their lives and their experiences.
Although Porzionato’s seems to be “realism”, given by his ability to render details and paint with skill and mastery, his creative gesture starts from the representation of people and then loses the physical and anthropocentric dimension and touches metaphysical worlds.
The colors and shapes are not only objective, but expressive tools that have the intent to address us of the warnings, messages: we do not remain stationary and static in front of reality, but we travel and space by being transported into another dimension, emotional and spiritual, in a dance with eyes closed.
Porzionato’s paintings are to be looked at in the silence of the soul to get into their world, which seems to be dancing, and to perceive the symphonic notes that emerge from the canvases: an infinitely sweet eurythmy subdues and leaves a persistent memory, even after the visit.
A memory that, instead of fading, becomes intrusive with a symphony of sensations.

Questo lo so fare anch’io! Vera arte, provocazione, gioco?
2021-01-21 19:00 - 20:30 | Genova
Quante volte ti è capitato di pensarlo di fronte all’opera di un grande artista?
Vera arte, provocazione, gioco?
Viaggio di apprendimento e di possibile decifrazione di alcune espressioni d’arte moderna e contemporanea assieme allo storico e perito d’arte Armando Battelli.
Vedremo 18 artisti che hanno creato opere d’arte il cui risultato finale sembra essere di una banalità sconvolgente, tra cui Cattelan, Duchamp, Malevich, Gilbert & George, Manzoni, Ryman.
Mentre un tempo era immediatamente possibile riconoscere il valore artistico di un’opera d’arte per via del suo leggibile risultato estetico, l’arte contemporanea spesso non fornisce i dati estetici che ci permettano di decifrare e interpretare l’opera finale con le nostre forze.
Tramite la conoscenza dell’artista e del suo legame con l’opera, bisogna attrezzarsi e riuscire a comprendere le motivazioni che possono esser state a monte del risultato dell’opera d’arte tramite un percorso più difficile e meno immediato, per capire se quello che abbiamo di fronte è un’opera d’arte perché lo dice il mercato o lo è per il suo reale apporto concettuale.
Appuntamento giovedì 21 gennaio 2021 alle ore 18.00!
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Arte, collezionismo e mercato
2020-11-26 19:00 - 20:30 | Genova
Molteplici sono le figure che animano il mondo dell’arte.
Quello che vogliamo intraprendere durante l’incontro è un percorso che evidenzia, dall’antichità ad oggi, il ruolo essenziale e diverso rivestito da ognuno di esse: dai collezionisti, un tempo definiti amatori, che chiedevano agli artisti di eseguire lavori sulla base delle proprie esigenze, ecclesiastiche, destinate alla pinacoteca o per piacer proprio, fino alla speculazione tipica del mondo contemporaneo.
Definiremo il ruolo dei galleristi, ben diverso dai mercanti, analizzeremo la figura del courtier come pure le case d’aste e le responsabilità degli artisti stessi.
Diversi i soggetti e ad ognuno una specifica funzione. Tutti insieme sono i personaggi trasparenti, ufficiali o oscuri che frequentano e, volontariamente o involontariamente, manipolano questo mondo.
L’incontro verrà trasmesso in diretta su tutte le nostre piattaforme social giovedì 26 novembre alle ore 18.00. In questo modo, potremo interagire anche a distanza! Ci vediamo online!
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Da Ambrogio Lorenzetti a Banksy. Immagini di vita sociale
2020-10-22 20:00 - 21:30 | Genova
Da Ambrogio Lorenzetti a Banksy_Immagini di vita sociale. Arte civile dal XIV al XXI secolo.
Nuovo episodio di Armando Battelli per i nostri Incontri in galleria.
L’ampia panoramica di questa rinnovata serata prevede il susseguirsi di opere di artisti che solitamente non trattano temi civili, societari, ma che decidono di abbandonare la tradizione incentrando alcuni periodi della loro arte alla rappresentazione di momenti di vita sociale.
Si parte dal celebre Ambrogio Lorenzetti, il primo nella storia dell’arte che nel 1337 si allontana dalle consuete raffigurazioni religiose per dedicarsi alla pittura civile, fino a quel momento da lui mai considerata.
Fino ad arrivare ai nostri giorni, con una nuova forma di parlare alle persone come quello che può essere considerato il realismo contemporaneo di Banksy.
Vi aspettiamo giovedì 22 ottobre alle ore 18.00 come sempre presso la Galleria Studio Rossetti, in Via Chiabrera 33 R.
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“Mindset” by Paolo Ceribelli
2020-10-08 20:00 - 2020-11-07 20:00 | Genova
On the occasion of Start, the white night of contemporary art, Thursday, October 8, Galleria Studio Rossetti opens the exhibition Mindset.
The limit is a state of mind: Paolo Ceribelli, in his first solo exhibition in Genoa, faces and challenges warily the border of the barriers imposed by the human mind.
A hymn to emancipation from the fixity of our intellectual condition.
The artist demolishes the boundaries that exist between form and its conceptual content. Objects that refer to a precise imaginary are unhinged from their conventional meaning and their shapes exploit the shadows that three-dimensionality imposes to untie the color from a common interpretation.
From every angle you look at the work, the shades of solid color are revealed in a continually different way and the darkness envelops the geometries, supporting the sources of light, making the bright colors of the canvases trigger contrasting sensations that are never identical.
The Mindset exhibition is an invitation to free the Pascolian “fanciullino” that resides in each of us, to observe objects and the world, rediscovering the childlike ability to wonder.
A stimulus to look and study our mental states, to follow the intuition that naturally leads to our personal truth.
The freedom that allows us to embrace our passions by overcoming our limitations.

Frammenti di un ricordo
2020-06-26 20:00 - 2020-07-25 22:00 | Genova
Il 26 giugno a Genova si terrà il grande evento collettivo FOCUS GENOVA, premio assegnato nell’ambito di Arteam Cup 2019.
Sei artisti sono stati selezionati per altrettante personali in gallerie di Genova, per un progetto condiviso e congiunto in città con un opening collettivo, in cui ciascun artista vincitore realizzerà una personale in una delle gallerie genovesi aderenti al Focus: ABC Arte, Guidi&Schoen Arte Contemporanea, Prisma Studio, Studio Rossetti, Unimedia Modern Contemporary Art e VisionQuest 4rosso – Contemporary Photography.Giovedì 20 marzo 2020 alle ore 17.30 la Galleria Studio Rossetti è lieta di invitarvi all’inaugurazione della mostra Fabrizio Ferrari: Frammenti di un ricordo.
Fabrizio Ferrari. Nelle “assenze”… Un nuovo orizzonte
di Matteo Galbiati

Fabrizio Ferrari è un artista che non accetta compromessi rispetto il proprio operare, la sua ispirazione, infatti, alimenta la sorgente del proprio fare fagocitando, spesso, cicli di lavori precedenti. L’atto pittorico in lui conquista un’essenza in una costante e iterata, sempre possibile e attivabile, rigenerazione di quanto già fatto che, destrutturato, scolorito, ridipinto, distrutto o riassemblato, accede ad una nuova natura, riverberandosi nei confini di un’altrettanto nuova, inedita, opera. Il processo di azzeramento, che riabilita il gesto corrosivo in uno generativo, sposta l’assetto formale della sua pittura e del suo colore dalla manualità alla possibilità concreta di interagire diversamente con la struttura di un dipinto inteso non come fine dell’immagine, ma come principio di osservazione e manipolazione di qualcosa di impensato prima.
Ferrari scruta il panorama del mondo e, riportandolo poi nelle modulazioni infinite di un bianco e nero, trasforma il quadro in altra memoria. Non gli interessa l’ammirazione vacua, quanto cogliere la suscettibilità intima dell’altro; vuole costituire il dipinto come specifico luogo di transizione, catalizzatore di un insieme di memorie che, singolari nel vissuto di ciascuno di noi, possano essere sempre ridestate e rese vive nell’immaginazione.
Lo sfumato languore della sua pittura ridisegna sempre i confini di un immaginario che non ha l’ossessione della propria autoconservazione indeterminata e infinita, perché consapevolmente libero di esserci e proporsi altrimenti, così come di concedersi la possibilità di esaudirsi in una diversa volontà che ne ritrova la bellezza in un’opera che dovrà o potrà ancora esserci.
Ferrari abbandona la gelosia del creatore, la reverenza dell’intuito a favore della propria esternazione e, intelligentemente, avvia una speculazione fuori dagli schemi canonici. In un mondo ossessionato e soverchiato dalla ridondanza delle immagini, queste opere annullano gli orizzonti del visibile del nostro tempo, delle nostre memorie e delle nostre conoscenze per favorire attimi di pausa e rallentamento, in cui il pensiero recupera il legame con una più lenta e silenziosa riflessione.
Il suo amore e la sua cura assecondano una logica affettiva che, pur seguendo le possibilità di un’attualità pittorica, riportano ad un tempo, ad una modalità di pensare al quadro di vecchia – diremmo romantica, se non fosse un termine troppo equivoco – tradizione. Il quadro diventa specchio della nostra condizione mentale, è sensibile, capace di proporsi in una modalità di superamento, quassi vera e propria espiazione, del visibile che, poco a poco, scolora nell’assenza e, in questa concessa sparizione, la visione si apre a spazi senza confini.
L’atto pittorico fa convergere sulla sua superficie l’esito di una repentina cancellazione che, smarrendo l’identità del reale con un gesto di estinzione della verità tangibile e concreta, trasferisce, proprio in un peculiare e soffuso senso di assenza, l’identità poetica e lirica di nuovi possibili soggetti.
La luce e l’ombra della pittura di Ferrari spezzano le abitudini e le convenzioni per rigenerare il vissuto, i ricordi e le esperienze individuali attraverso quell’inafferrabile interiorità nascosta, spesso inascoltata e inespressa, che alberga nell’animo di ciascuno di noi. Un parte che riscopriamo viva e sempre capace di dare passione ed emozione, avendo anche, come interlocutore, la complessità semplice di un quadro in bianco e nero.

Ut pictura poesis. Il contributo dei letterati alla storia dell’arte pittorica
2020-03-05 19:00 - 20:30 | Genova
Ut pictura poesis – recitava Orazio, ovvero – Come nella pittura, così nella poesia.
Durante questo nuovo incontro presso la galleria Studio Rossetti, Armando Battelli illustrerà il contributo che, alcuni letterati tra i più illustri di tutti i tempi, hanno donato alla storia dell’arte pittorica.
Accompagnati dalla proiezione delle loro opere, scopriremo i talenti artistici nascosti dietro le personalità più rilevanti della letteratura nazionale e internazionale: Pirandello, Herman Hesse, Victor Hugo… ma anche Aldolf Hitler e Winston Churchill.
Vi aspettiamo alle ore 18.00 in Via Chiabrera 33 R, Piazza Giustiniani.

Le donne dell’arte. Conformismo e originalità nella pittura dal XVI al XXI secolo
2020-01-30 19:00 - 20:30 | Genova
Le donne dell’arte Conformismo e originalità nella pittura dal XVI al XXI secolo.
Durante l’incontro il relatore Armando Battelli ci avvicinerà al mondo dell’arte raccontandone il punto di vista femminile, con un’ampia panoramica di 30 tra le più importanti personalità vissute tra il 1500 e gli anni 2000.
Ognuna di queste donne ha lasciato un segno indelebile nella storia dell’arte per mezzo di uno stile unico o della personale concezione e intrepretazione della vita:
alcune più convenzionali, decidono di abbracciare la pittura del momento assorbendo in chiave propria i canoni già esistenti; altre estremamente d’avanguardia, scardinano e ribaltano le concezioni artistiche del loro periodo.
Le scopriremo insieme alle ore 18.00 presso la galleria d’arte contemporanea Studio Rossetti.

Attualità o inattualità? Fare arte figurativa nel XXI secolo
2019-12-12 19:00 - 20:30 | Genova
Fare arte figurativa nel XXI secolo: è possibile fare arte figurativa in un secolo in cui la stessa è stata azzerata, con tendenze al minimalismo e l’arte concettuale che hanno modificato il modo di concepire l’arte?
Questo tipo di prodotto ha una sua attualità o è troppo legata al passato?
Lo scopriremo insieme al nostro relatore Armando Battelli giovedì 12 dicembre alle ore 17.30 presso la galleria d’arte contemporanea Studio Rossetti.
Nel contempo è possibile visitare la mostra in corso Delicate fragilità di Evita Andújar e Ilaria Gasparroni, un dialogo sinergico tra pittura e scultura a cura di Livia Savorelli.

Nuovo spazio espositivo
2019-11-24 | Rossetti – The corner, Via Chiabrera, 33r, Genova, (GE), 16123, Italia
La Galleria Studio Rossetti raddoppia!
Siamo lieti di annunciare l’apertura di un nuovo piccolo spazio espositivo, che presto diventerà ancora più grande.
Il nostro sogno di rendere questa porzione del centro storico di Genova un punto di riferimento artistico e culturale sta diventando sempre più reale. Questo nuovo spazio si trova infatti nei vicoli genovesi a pochi passi dalla galleria, nella nostra piazza di riferimento: Piazza dei Giustiniani.
Una vetrina animata da artisti e collaborazioni, dove sarà possibile ammirare diverse espressioni artistiche da tutta Italia e non solo. Un ambiente che ispira e consiglia. Un luogo dove l’immaginazione prende forma e diventa realtà: abbiamo scelto di arredarlo proprio come fosse la sala di una casa qualsiasi, dove i passanti possono immergersi nell’immagine di un luogo dove l’arte fa da padrona e portarsi a casa questa sensazione.
Vi aspettiamo per mostrarvi il nuovo spazio in Via dei Giustiniani 23!

Emozioni nell’arte
2019-11-24 | Genova
Le emozioni che proviamo e che ascoltiamo danno vita ad espressioni artistiche.
E’ necessario e imprescindibile imparare a riconoscere e a cogliere egli stimoli che nascono dai nostri moti interiori: il nostro pensiero si genera e si evolve grazie alle emozioni che ci animano.
Per esprimere nella maniera più efficace ed autentica il nostro lato da artisti dovremmo imparare a farci guidare dalle emozioni.
Il nostro profilo di artisti emerge in diversi momenti della vita quotidiana, in campo lavorativo, nella sfera affettiva e relazionale, e si libera quando siamo in grado di imparare a comprendere e a gestire le nostre emozioni.
Emozioni nell’arte, guidate dal relatore Simone Rigalza, vogliono essere un punto di ritrovo all’interno di ognuno di noi. Stay tuned!

Design Week 2019
2019-11-22 18:30 - 2019-11-30 20:30 | Genova
Design Week è il primo evento pubblico ideato da DiDe, evento che si svolgerà in “Piazza Giustiniani e dintorni” dal 22 al 30 di Novembre.
In 15 diverse postazioni verranno esposti 32 oggetti di design selezionati tra i molti ricevuti in risposta alla “Call” lanciata a settembre e patrocinata dall’Ordine e dalla Fondazione degli Architetti di Genova che ci hanno supportato nella divulgazione dell’iniziativa insieme al Dipartimento Architettura e Design (DAD) cui è stato riservato uno spazio espositivo in Piazza Giustiniani per una “collettiva” dei lavori proposti dagli studenti. La Design Week avrà un’anteprima mercoledì 21 novembre con una cerimonia di presentazione dell’iniziativa alle ore 17:30, nell’atrio di Palazzo Saluzzo Granello in via Chiabrera 7 (Piazza dei Giustiniani). Seguirà l’inaugurazione aperta a tutta la cittadinanza che ci auguriamo partecipi numerosa a supporto di un’iniziativa che vuole essere l’ennesima dimostrazione della capacità di reazione della nostra amata città.
DiDe_Distretto del Design è un’associazione nata per iniziativa di imprese, professionisti e singoli cittadini che vivono, lavorano o semplicemente gravitano nell’area attorno a Piazza Giustiniani, a un passo dalla Cattedrale di San Lorenzo.
L’Associazione Culturale DiDe – Distretto del Design A.P.S. ha come finalità la nascita di un distretto, all’interno della città storica dove il design sia protagonista di una contaminazione territoriale di creatività, sviluppo economico e produttivo.
Adottando anche micro-interventi urbani l’Associazione persegue lo scopo di attuare:

la rigenerazione di un territorio degradato partendo dall’eredità culturale di un patrimonio edilizio riconosciuto a livello mondiale ed arricchito da quella componente umana e creativa, imprescindibile punto di partenza nel design
la ricerca, la promozione, la diffusione e la valorizzazione del design e di tutte le forme di creatività nel senso più ampio del termine quale strumento per favorire un interscambio tra culture e forme d’arte differenti
far emergere il ruolo positivo del design sui processi di rigenerazione urbana partendo del centro storico con la possibile espansione sul territorio
di perseguire lo scopo ambizioso di mettere a sistema diverse realtà: creatività, cultura e industria.

DiDe è nato grazie a:
Ferdinando Bonora (storico)
CAD / Ettore Piras – Loredana Trestin
Firma / Bruna Arena – Beppe Veruggio – Pasquale Violi
Sidoti Fashion concept store / Carmen Sidoti
Spazio Giustiniani / Iris Keci – Gianluigi Rossi – Matteo Rossi
Spazio Liquido / Laura Palazzini – Monica Palazzini – Miria Uras
Studio Rossetti Arte e Architettura / Elisabetta Rossetti

“Delicate fragilità” by Evita Andújar and Ilaria Gasparroni
2019-11-21 18:30 - 2019-12-22 20:00 | Genova
Studio Rossetti gallery continues its autumn exhibition season with the exhibition Delicate fragility. It is conceived as a site-specific dialogue, identified by the curator Livia Savorelli, between two artists of different generation, origin and training – Evita Andújar (Écija, Spain, 1974) and Ilaria Gasparroni (Sant’Omero, province of Teramo, 1989) – united by a common feeling about the female world, declined through an instinctual painting, with bright colors and dynamism in the work of Andújar and dissected in poetic formal essence in the marble creations of Gasparroni.
A dialogue moved by assonances and dissonances, made explicit both in the shapes and in the colors – black and white shaped by the young sculptress from Abruzzo or stretched and then crossed by the fluid brushstroke of Andújar – and in the different source of inspiration of the portrayed subject and, also, in the different perception of the body and of space.Two-dimensionality and three-dimensionality coexist and integrate to represent the many facets of a figuration that takes its forms from the feminine to explain universal themes, drawing from the past as well as from the most pressing current events, from literature and philosophy as much as from the world of social networks, from the baggage of personal life as well as from the most intimate inner universe.
The exhibition focuses its core in the reciprocal dialogue of eight works, four for each, in which the two artists question themselves on some common fragility connected to the sociality of each of us, to our “being in the world”, which so frequently is a consequence of our way of defining ourselves as individuals. The bipersonal exhibition is completed by a selection of recent works, including some new ones created for this occasion by the two artists.
Thus, being subjected to the arbitrary judgment of others, blindness as a metaphor for the impotence to “look beyond” – increasingly frequent in a world pervaded by constant insecurity and unprecedented generalized instability -, the ambivalence good/evil, the refuge in sleep as a need for escape and refreshment, take shape to represent, through the gestures of a hand as in the concealment of a face, the delicate fragility so intimately inherent to our being Men.

L’opera è lo specchio dell’artista?
2019-10-31 19:00 - 20:30 | Genova
Giovedì 31 ottobre tornano gli incontri in galleria, momenti di dialogo creativo guidati dal relatore Armando Battelli.
L’argomento in discussione è la possibile leggibilità del carattere e della personalità dell’autore, l’esistenza di una reale connessione tra la psicologia dell’artista e le sue rappresentazioni.
Siamo avvezzi a rivedere nelle opere le inclinazioni, i lati nascosti, le vicissitudini e le sfumature caratteriali di coloro che le hanno realizzate.
Ma è davvero così o siamo noi che vogliamo vederle?
Via aspettiamo in galleria alle ore 18.00 per confrontarci analizzando gli artisti più importanti degli ultimi tempi.
