ROSSETTI arte contemporanea

“Deep Down” di Silvio Porzionato
2021-03-25 19:00 - 2021-04-25 21:00 (Europe/Rome) | Genova
La Galleria Studio Rossetti ospita, per la prima volta a Genova, Silvio Porzionato, un artista discreto nella personalità ma con un’eco potente che viaggia per tutto il mondo.
Di respiro e di fama internazionali, dopo aver partecipato alle più celebri e influenti esibizioni, e dopo aver tenuto mostre nelle città e nelle capitali più all’avanguardia, approda nel capoluogo ligure.
Nella mostra “deep down”, Porzionato presenta dipinti inediti appositamente studiati e per questa speciale occasione lo Studio Rossetti inaugura il nuovo spazio “I Sotterranei della Galleria”, collocati al di sotto di essa, con l’intento di restituirci una bellezza sino ad ora nascosta.
Le antiche vestigia, riportate alla luce nel rispetto dei disegni e delle eleganti architetture d’origine, ora rinascono a nuova vita: fascino remoto e mistero si mescolano perfettamente custodendo le radici e i segreti del soprastante storico Palazzo Saluzzo.
Tutto qui ci parla di un passato che è stato memorabile e che lascia il testimone allo Studio Rossetti in un armonico dialogo tra ciò che è stato e ciò che sarà.
Quando affrontiamo la discesa abbiamo il tempo di prepararci emotivamente, come prima di un tuffo nel profondo, per immergerci nell’atmosfera silenziosa, raccolta e magica degli ambienti che ospitano la mostra.
Silvio Porzionato ha voluto vestire le pareti con “abiti” fatti su misura e adatti ad un tale gioiello. Capitelli, volte a crociera, archi e pilastri creano incroci e percorsi magistrali e ci conducono verso le sue opere che sono dotate di un’istintiva forza magnetica e irradiano il buio circostante.
Di un romanticismo “antico”, lo spettacolo scenografico, che si apre di fronte ai nostri occhi, è un sipario che svela volti che raccontano intriganti storie, ci sussurrano le loro emozioni e ne fanno scaturire altre, intense, dentro di noi.
I personaggi descritti dall’artista ricordano la maestosità delle commedie greche, la personalità degli attori di Aristofane, nei colori e nell’energia delle forme e delle pose.
Dipinti con pennellate soavi ma vigorose come battiti d’ali di farfalla si appoggiano delicatamente sulla tela e volano nell’ambiente fino ad avvolgerci.
I vibranti colori determinano la carica delle figure, sono ironici ma drammatici al tempo stesso.
Il risultato finale è una scossa alla nostra percezione visiva e alla nostra anima.
Seppure intimi, nella dimensione del ritratto, i soggetti sono rappresentati con spontaneità, in pose fugaci, ma sono in grado di generare un’empatia tra noi e loro tale da farci pensare di averli già incontrati.
Ci parlano delle loro vite che sembrano intrecciarsi con le nostre.
Ci lasciano con il desiderio di ascoltare il racconto dei loro vissuti e delle loro esperienze.Nonostante quello di Porzionato sembri essere “realismo”, dato dalla sua capacità di rendere i dettagli e di dipingere con abilità e maestria, il suo gesto creativo deciso parte dalla rappresentazione di persone per poi perdere la dimensione fisica e antropocentrica e sfiorare mondi metafisici.
I colori e le forme non sono solamente oggettivi, bensì strumenti espressivi che hanno l’intento di rivolgere a noi dei moniti, dei messaggi: non rimaniamo fermi e statici di fronte alla realtà ma viaggiamo e spaziamo facendoci trasportare in un’altra dimensione, emotiva e spirituale, in un ballo ad occhi chiusi.
I dipinti di Porzionato sono da guardare nel silenzio dell’anima per calarsi nel loro mondo, che sembra danzante, e per scorgere le note sinfoniche che emergono dalle tele: un’euritmia infinitamente dolce soggioga e lascia un ricordo ostinato, anche dopo la visita.Ricordo che anziché svanire si fa invadente con una sinfonia di sensazioni.

Astrattismo e astrattismi. Origine e declinazione dell’arte non figurativa
2021-05-13 20:00 - 21:30 | Genova
“L’arte oltrepassa i limiti nei quali
il tempo vorrebbe comprimerla,
e indica il contenuto del futuro.”
Vasilij Kandinsky
Scopriremo i padri fondatori e tutte le figure salienti dell’astrattismo, il movimento le cui opere – pittoriche e non – esulano dalla rappresentazione decifrabile del mondo.
Un linguaggio di forme, colori e linee che creano composizioni indipendenti e senza alcun appiglio che possa ricondurre ad immagini note e conoscibili.
Un viaggio nella negazione della realtà per esaltare il sentimento puro.13 maggio 2021 ore 18.00Visualizza il video

“Chromestesia” di Gianluca Patti
2021-06-17 20:00 - 2021-07-17 21:00 | Genova
La stagione espositiva della Galleria Studio Rossetti prosegue con la mostra intitolata “Chromesthesia” dell’artista Gianluca Patti, per la prima volta in una personale a Genova.
La mostra verrà inaugurata il 17 giugno in concomitanza con l’apertura della Genova Design Week, evento che avrà come fulcro Piazza dei Giustiniani, dove ha sede della galleria.
Gianluca Patti, artista eclettico e sensibile, possiede l’innata capacità di creare un legame sinergico tra materia e colore, in grado di coinvolgere lo spettatore all’interno delle sue opere. La sua conoscenza pratica degli elementi da costruzione e la sua abilità nel creare cromie equilibrate e intense lo porta a realizzare composizioni materiche, visive e sonore di grande impatto.
Nella mostra Patti mette in scena il ciclo delle stagioni e interpreta, in chiave artistica e personale, le Sinfonie delle 4 Stagioni di Vivaldi. Le venti opere in mostra si prestano non solo ad essere osservate ma anche ascoltate e sembrano sprigionare note musicali provocando sensazioni e percezioni visive e uditive potenti.
Studio Rossetti per questa occasione, allestisce le stanze dello spazio Underground attraverso un percorso espositivo che permette di cogliere lo stretto legame tra musica e arte che porta lo spettatore a percepire i mutamenti delle stagioni e delle sensazioni che le contraddistinguono.
La mostra vuole essere un’esperienza immersiva, consentendo alle emozioni più profonde di emergere e all’osservatore di immergersi in un abisso di colori compiendo un viaggio nell’inconscio e nella memoria.Le opere di Gianluca Patti possiedono una dimensione onirica, sono dotate di un significato intrinseco, interpretabile e unico a seconda di chi le osservi, assumendo valori individuali e in grado di rivolgersi a ciascuno di noi, con le nostre personali storie, in nostri desideri e la nostra sensibilità.

“Hinomaru” di Tom Porta
2021-10-07 20:00 - 2021-11-07 20:00 | Genova
Nella mostra “Hinomaru”, l’artista ci presenta 20 opere inedite e realizzate appositamente per accompagnare lo spettatore nella storia del Giappone del ‘900.
Le figure di Tom Porta fanno riaffiorare un passato fatto di tradizione e di riti che non vuole raccontare la Storia ma dare risalto all’estetica che appartiene alla cultura giapponese.
Le Geishe si allontanano dall’immaginario collettivo per diventare indossatrici di raffinati kimono.
Donne eteree che sembrano uscire da una vecchia foto, i cui bordi consumati non riescono ad inghiottirle.
Diventiamo spettatori di un mondo sospeso che ci parla di valori e codici, gli stessi in cui credevano i piloti rappresentati in Hinomaru dall’artista.
Figure evanescenti il cui sguardo fiero nemmeno ci sfiora. In primo piano c’è il volto. La divisa, quasi un incompiuto, non ha importanza: sono uomini e poi soldati.
Gli aerei e le navi sembrano uscire dalla nebbia. Come fossero delle visioni che prendono forma dirigendosi verso Occidente.
Hinomaru è il disco solare sulla bandiera giapponese. Simbolo già utilizzato sulle bandiere dei samurai, il Sol Levante.
Hinomaru nella sua semplicità racchiude la filosofia di un popolo, la sua eleganza sussurrata, il suo rigore, la sua memoria sempre presente ma mai invasiva: esattamente quello che riaffiora attraverso pennellate brevi e veloci che catturano la mente.
Hinomaru il sole, da sempre identificato col divino e così, l’arte diventa tramite tra l’uomo e il Cielo.

Big in Japan
2021-11-04 18:00 - 20:30 | Genova
Due giorni dedicati alla cultura giapponese in collaborazione con un’altra realtà della Piazza, lo studio di progettazione architettonica Spazio Giustiniani.
L’evento inizia giovedì 4 alle ore 17:00 con il workshop esperienziale di scrittura orientale, tenuto dall’insegnante Rosanna Musumeci, docente certificata a livello internazionale di Chue Style Feng Shui, nonché progettista e designer degli spazi secondo il feng Shui. La scrittura orientale non è solo comunicazione, è arte. Lo spazio della carta viene interpretato come fosse uno spazio fisico, vanno calibrati i pieni e i vuoti, in un perfetto equilibrio Zen. Ospitati dallo showroom di progettazione d’interni Spazio Giustiniani, saranno a disposizione gli strumenti tradizionali del calligrafo: pennelli, inchiostro di china e rosso cinabro. Partendo dal Vuoto della carta per comporre la propria personale opera.
La giornata prosegue alle 18:00 presso lo Studio Rossetti con la degustazione di tè giapponese di Peter’s Tea House, lo store specializzato del centro storico di Genova dove si respira il fascino tradizionale della cultura orientale, che si fonde con la contemporaneità. Un’esperienza di cultura e ospitalità, un viaggio multisensoriale dove il senso del gusto e dell’olfatto insieme a quello della vista e dell’udito invitano a perdersi nell’affascinante piacere del tè. Il tutto immersi nell’atmosfera della mostra Hinomaru di Tom Porta.
A seguire alle 18:30 presentazione dell’incontro Emozioni nell’arte – La comunicazione emotiva, a cura del counselor Simone Rigalza. Le emozioni che proviamo e che ascoltiamo danno vita ad espressioni artistiche.
E’ necessario e imprescindibile imparare a riconoscere e a cogliere egli stimoli che nascono dai nostri moti interiori: il nostro pensiero si genera e si evolve grazie alle emozioni che ci animano. Per esprimere nella maniera più efficace ed autentica il nostro lato creativo dovremmo imparare a farci guidare dalle emozioni. Emozioni nell’arte, vogliono essere un punto di ritrovo all’interno di ognuno di noi.
Dalle 19:00 ci si riunisce per la musica in Piazza Giustiniani selezionata da Stemc, per concludere in compagnia questa prima giornata di eventi dedicati al mondo nipponico.
Il giorno seguente, venerdì 5 novembre, alle ore 18:00, il ritrovo sarà presso la nostra galleria, dove verrà presentata la conferenza Incontri in galleria del relatore Armando Battelli, storico e perito d’arte, dal titolo “Suggestioni e nostalgie del Giappone nella pittura occidentale dal XIX secolo ad oggi”. Verrà approfondito il Japonisme, ossia l’influenza che ha avuto l’arte giapponese sui grandi maestri occidentali, in particolare sugli artisti francesi. Questa passione per l’arte giapponese non avrebbe avuto luogo se le stampe giapponesi non fossero sopraggiunte in Olanda tramite la Compagnia delle Indie, e poi diffuse in tutta Europa. Gli artisti europei che vennero influenzati dall’arte giapponese furono: Van Gogh, Monet, Manet, Degas, Renoir, Pissarro, Klimt, Charles-Louis Houdard e moltri altri, che scopriremo insieme.

“Noncestoria” di Gianni Ansaldi
2021-11-08 18:30 | Palazzo Saluzzo, Via Chiabrera, 7, Genova, (GE), 16123, Italia
Il fotografo Gianni Ansaldi, alle prese con la sua prima opera narrativa, compone un romanzo dai tratti sperimentali nel quale si alterna, al posto dei tradizionali capitoli, una serrata sequenza di prologhi ed epiloghi.
Il tempo è quello del sogno, a spirale: passato e presente si intrecciano e si confondono. I due personaggi che animano la storia sono destinati a un incontro fatale.
Uno vive in tanti passati resi irreali dalla memoria, l’altro in un presente reso irreale dalla chimica dei farmaci. Quando arrivano entrambi in un presente reale per uno dei due è la fine.

Inaugurazione dello Studio Rossetti Underground
2021-11-23 | Rossetti Underground, Via Chiabrera, 7, Genova, (GE), 16123, Italia

“Verdad Muda” di Evita Andújar
2021-11-25 19:00 - 2022-01-09 20:00 | Genova
La Galleria Studio Rossetti accoglie la stagione espositiva invernale con l’inaugurazione di “Verdad Muda”, la mostra personale dell’artista andalusa Evita Andújar, a cura di Raffaella Salato. La mostra aprirà al pubblico giovedì 25 novembre e sarà visitabile fino al 9 gennaio 2022.
“Una narrazione continua che procede per istantanee, un racconto fatto di fermo-immagini (o, come si usa dire oggi, di “screenshot”) che si assemblano in un puzzle complesso, variegato ed in continua evoluzione: questo è l’universo femminile di Evita Andújar, protagonista indiscusso della poetica dell’artista andalusa, la quale opera sempre in bilico – ma con sapiente padronanza dell’intenzione e del gesto – sul crinale che corre tra la figurazione e l’astrazione.
La mostra dal titolo ‘Verdad muda’ raccoglie una serie di dipinti del ciclo ‘Stolen Selfie’, ispirati al paradosso della nostra società ipertecnologicizzata, sovraesposta ad un flusso continuo di immagini ed informazioni che tuttavia, spesso, sono prive di reali contenuti. Le identità che i social network ci rimandano ossessivamente sono solo pallidi simulacri di una realtà che in pochi, ormai, si preoccupano di penetrare e conoscere: ecco dunque che l’Andújar stravolge e cancella queste individualità di superficie con lo scopo dichiarato di suscitare una riflessione alternativa, di spostare il fuoco dall’apparenza alla sostanza.
Le donne di Evita, come ella stessa ha più volte spiegato, sono nel contempo suoi alter-ego ed archetipi della femminilità contemporanea, racchiudendo in sé da un lato il riflesso delle molteplici sfumature dell’artista, dall’altro immagini paradigmatiche della Donna di oggi, immersa in una realtà complessa, inquieta, rutilante, che la costringe ad essere – parafrasando Pirandello – “una, nessuna e centomila”, in perenne dialettica con la mutevolezza dei rapporti umani e la fugacità dell’esistenza.
Questo senso di inafferrabilità e di provvisorietà, dal quale nessuno di noi è immune, si traduce sulle tele di Evita trasfigurandone evidentemente l’elemento protagonista, lei, la donna: pur essendo innegabilmente il centro della scena, come accade nella tradizione del ritratto, la figura femminile perde la propria identità, che spesso si liquefà nel dominio della materia pittorica sull’immagine (come in ‘Stolen Selfie 69 o Brezza’), a volte si cela o si sottrae volutamente (ad esempio, in ‘Stolen Selfie 45 o Nascondi ciò che non sei’), altre volte, infine, si sdoppia in riflessi parziali di sé che non restituiscono mai un identikit definito (‘Stolen Selfie 56 o Nel bianco di domani’).
Il risultato finale, agli occhi dell’osservatore, è quello di un racconto sospeso, cristallizzato in un frammento di presente che non dà risposte, in cui la solitudine della donna – nei dipinti di Andújar non vi sono mai personaggi di contorno, neppure sullo sfondo – diviene simbolo e personificazione dello straniamento del mondo di oggi. In questo senso, viene quasi naturale il parallelo con le donne di Edward Hopper, maestro del Realismo statunitense del XX secolo: è come se le tele di Evita, che hanno un sapore quasi cinematografico, di fotogrammi di un film girato in interni, narrassero la nostra crisi personale, la nostra intrinseca solitudine. Osservare i suoi quadri ha un effetto quasi catartico: è come guardarsi riflessi dentro uno specchio che ci mostra per come siamo, offrendoci un’occasione per comprenderci meglio nella nostra condizione esistenziale.
Eppure, nelle tele dell’artista c’è sempre un elemento di speranza, una tensione tra lo spazio fisico, il tempo e le emozioni, una scintilla che ci induce ad interrogarci sul “cosa” e sul “perché”: l’accuratezza della resa di certi particolari nell’ambientazione (che rappresentano per lo più ambienti domestici borghesi), l’utilizzo mai casuale della luce e del colore (i blu intensi, i rossi accesi, il bianco baluginante), le pose o la gestualità delle figure che non appaiono mai passivamente statiche, ma piuttosto percorse da un’irrequietezza sotterranea composta e controllata, ci suggeriscono una storia che ancora deve essere scritta, una chiave di lettura “altra” che affiora attraverso i diversi livelli interpretativi dell’opera, una verdad muda che preme inesorabilmente per avere voce. “
Raffaella Salato

Suggestioni e nostalgie del Giappone nella pittura occidentale
2021-12-15 19:00 - 20:30 | Rossetti Underground, Via Chiabrera, 7, Genova, (GE), 16123, Italia
Venerdì 5 novembre, alle ore 18:00, presso la nostra galleria, verrà presentata la conferenza Incontri in galleria del relatore Armando Battelli, storico e perito d’arte, dal titolo “Suggestioni e nostalgie del Giappone nella pittura occidentale dal XIX secolo ad oggi”.
Verrà approfondito il Japonisme, ossia l’influenza che ha avuto l’arte giapponese sui grandi maestri occidentali, in particolare sugli artisti francesi.
Questa passione per l’arte giapponese non avrebbe avuto luogo se le stampe giapponesi non fossero sopraggiunte in Olanda tramite la Compagnia delle Indie, e poi diffuse in tutta Europa. Gli artisti europei che vennero influenzati dall’arte giapponese furono: Van Gogh, Monet, Manet, Degas, Renoir, Pissarro, Klimt, Charles-Louis Houdard e moltri altri, che scopriremo insieme.
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Lo stravolgimento della figura tra esigenze stilistiche ed espressioni esistenziali
2021-12-16 19:00 - 20:30 | Genova
La figura umana è la rappresentazione in grado di comunicare meglio quelle che possono essere le sensazioni e le emozioni delle persone. Anche gli oggetti possono trasmettere il pensiero di un artista: basti pensare a Giorgio Morandi, capace di trasformare una semplice natura morta in elegie sull’esistenza. Tuttavia, la figura umana, in quanto espressione della parte umana della vita, è riconosciuta come la più comunicativa sotto diversi punti di vista.
In questa conferenza, perfettamente in linea con la mostra in corso Verdad Muda, di Evita Andújar, il relatore Armando Battelli si addentra nell’interessante aspetto che confronta lo stile dell’artista con la sua intenzione comunicativa.
In alcuni casi, la figura è appositamente distorta nel senso estetico, allo scopo di esprimere un sentimento di angoscia, innamoramento, sorpresa, straniamento; altre volte, la stessa viene manipolata per ragioni stilistiche.
Quando Picasso costruisce un quadro, non lo fa per sentimento, a differenza del collega Munch, ma per equilibrio formale, che ha un significato all’interno dell’arte espressiva. In questo caso, la figura stravolta non vuole esprimere un malessere o, in generale, un sentimento, bensì vuole creare all’interno di uno stile il suo movimento stilistico, vuole costruire l’immagine. Donatello, Caravaggio, lo stesso Renoir, non stravolgono la figura per esprimersi, al contrario esprimono il loro sentimento con una figura esposta in un certo tipo di modo: la figura stravolta non è solo tale in senso espressivo ma anche stilistico.
Vi aspettiamo giovedì 16 dicembre alle ore 18.00 per approfondire questa tematica attuale e stimolante, circondati dalle opere di Evita Andújar.
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“L'arte di legare le persone” di Paolo Milone – Einaudi Editore
2022-03-02 18:00 | Palazzo Saluzzo, Via Chiabrera, 7, Genova, (GE), 16123, Italia
“L’arte di legare le persone” (Einaudi Editore) è un libro che si fa fatica a definire ed ogni definizione resta incompleta.
Quante volte parliamo dei medici come di eroi, martiri, vittime… In verità, fuor di retorica, uomini e donne esposti al male. Appassionati e fragili, fallibili, mortali. Paolo Milone ha lavorato per quarant’anni in Psichiatria d’urgenza, e ci racconta esattamente questo. Nudo e pungente, senza farsi sconti. Con una musica tutta sua ci catapulta dentro il Reparto 77, dove il mistero della malattia mentale convive con la quotidianità umanissima di chi, a fine turno, deve togliersi il camice e ricordarsi di comprare il latte.
A un anno dalla sua uscita, mercoledì 2 marzo alle ore 18.00, The Meltin Pop e la galleria Rossetti Arte Contemporanea organizzano un incontro con l’autore Paolo Milone, che dialogherà con i suoi lettori, accompagnato dallo scrittore e psicoterapeuta Bruno Morchio. Letture di Lucia Caponetto.
L’incontro si svolgerà presso la Rossetti Arte Contemporanea
in via Chiabrera 33r Genova.
Locandina

Synthèse visuelle. Scomporre in frame l’attimo. Il diario di una ricerca
2022-03-12 18:30 - 20:30 | Genova
In occasione della mostra Monet. Capolavori dal Musée Marmottan Monet di Parigi, a Palazzo Ducale a Genova, la Galleria Studio Rossetti presenta il volume Monica Gorini. Synthèse visuelle. Scomporre in frame l’attimo. Il diario di una ricerca, edito Vanilla Edizioni, un diario-ricerca che l’artista Monica Gorini ha realizzato a seguito di un viaggio “geografico ed artistico fatto di colori, di natura, di pensiero e di poesia, con le ninfee negli occhi, la pittura di Monet nel cuore e il desiderio di colore nella testa”.
La presentazione si terrà sabato 12 marzo alle ore 17.30, alla presenza dell’editore, dell’autrice e di Lorella Giudici, autrice della prefazione.“A settantaquattro anni Claude Monet iniziava il suo ultimo e monumentale progetto: i pannelli per l’Orangérie. Su dodici tele dalle dimensioni maestose e per più di dieci anni, Monet ha lavorato a quello che possiamo definire il suo testamento artistico e spirituale: le Ninfee. Nel suo giardino di Giverny, dove ogni centimetro di terra, d’acqua e di prato è stato appositamente costruito per soddisfare la sua pittura, l’artista ha realizzato il suo sogno: la fusione totale di arte, colore, natura e infinito.
Il racconto di Monica Gorini ha inizio proprio dai luoghi vissuti da Monet: da Etretat, Honfleur, Le Havre e, ovviamente, Giverny. Per due anni Monica ha idealmente dialogato con il Maestro in un lungo viaggio, geografico botanico ed artistico, ricco di emozioni, di immagini, di ricerche e di scoperte che ha racchiuso tra le pagine di questo diario, in una narrazione coinvolgente, fresca, immediata, ricca di riferimenti culturali e umani.
Con le ninfee negli occhi, la pittura di Monet nel cuore e il desiderio di colore nella testa, Monica ha poi cercato la propria dimensione artistica traducendo le “impressioni” in un linguaggio concettuale. L’obiettivo, quindi, non è rifare Monet, dipingere i fiori o il paesaggio di Giverny, bensì trovare, attraverso i luoghi della sua pittura, il “segreto del colore” e trasformarlo in una sorta di legge empirica, in un personale sistema cifrato che racchiude la natura, l’anima e la psiche”.
(Lorella Giudici)
Monica Gorini (1967) è un’artista che vive e lavora tra Milano e il Lago d’Orta. Diplomata all’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano, con docenti eccellenti come Elena Pontiggia e Paolo Minoli, ha da sempre affiancato all’attività artistica la formazione in ambito pedagogico didattico collaborando con l’Università Bicocca di Milano e l’Accademia di Belle Arti di Brera. Sensibilmente legata al mondo della natura e dei diritti è alla ricerca di un’estetica che stimoli riflessioni attuali ed intime, finalizzate allo sviluppo di una coscienza sociale e di una nuova ecologia spirituale del mondo.
Lorella Giudici (1965) è professore di storia dell’arte contemporanea all’Accademia di Belle Arti di Brera di Milano. Dopo una laurea in Lettere Moderne con indirizzo storico-artistico all’Università Statale di Milano e una in pittura all’Accademia di Belle Arti di Brera, cura mostre e si occupa dell’arte tra Ottocento e Novecento, con particolare interesse al periodo tra le due guerre. Scrive per il TGCOM e per riviste del settore. È membro del comitato scientifico della Fondazione Remo Bianco, della Fondazione Sangregorio e dell’Archivio Dadamaino. È stata direttrice del Museo del Paesaggio di Verbania.

“Altro non posso fare che germogliare e fiorire” di Davide Puma
2022-03-24 - 2022-04-24 | Genova
Davide Puma, originario della Liguria e affezionato ai colori, ai profumi e alle luci di questa terra, dopo aver esposto i suoi dipinti in tutta Europa, torna alle origini e con il suo arrivo a Genova porta la primavera con la mostra “Altro non posso fare che germogliare e fiorire”.
Le opere realizzate per la mostra sono ipnotizzanti, un invito ad immergerci dentro di esse, per trovarci e stupirci di fronte a spettacoli naturali, in una natura cullante e florida.
I meravigliosi giardini di Davide Puma si aprono come porte verso mondi fantastici e si trasformano in portali verso una pace confortante.
A guidare la realizzazione della mostra di Davide Puma è, infatti, la natura, con la quale egli possiede un rapporto intimo e radicato. Essa contiene, in tutte le sue forme vitali, nel suo linguaggio e nelle sue componenti, quello che per l’artista rappresenta il senso dell’universo.
L’immaginario artistico di Puma descrive la natura trascendendo dalla sua dimensione fisica, le atmosfere che suggerisce oscillano tra il fiabesco e l’onirico. ​​La delicatezza e la leggerezza che attraversano le tele di Davide Puma conducono ad una riflessione sulla natura e sulle leggi superiori che la determinano e permettono ad ogni elemento che fa parte di essa di muoversi e di mutare.
La vegetazione è descritta con precisione, conoscenza ed estrema consapevolezza ma diventa iconica perdendo il riferimento con il reale e con la sua materialità.
L’artista sarà presente il giorno dell’inaugurazione.

La meccanica divina
2022-04-29 | Rossetti Underground, Via Chiabrera, 7, Genova, (GE), 16123, Italia
Una conversazione tra Davide Puma e la dottoressa Sara Taglialagamba
Nel percorso artistico di Davide Puma è consuetudine che scienza e poesia si fondono in una sola visione d’insieme, creando un linguaggio potente e del tutto personale. La loro divina risonanza trasforma visioni in immagini, creando una cosmogonia di energia, di elementi, di materia, di atomi che, collidendo tra loro, catapultano l’osservatore in un mondo ideale interamente dominato dalla natura popolata da animali metamorfici sotto la protezione di dee primigenie.
È questo il tema che la mostra si prefigge: in linea con un pensiero filosofico che affonda le sue radici nell’antichità, Puma propone l’idea di un universo inteso come un organismo vivente in continuo divenire e risultato dell’iterazione meccanica tra particelle elementari. È proprio attraverso la riflessione sul tema del movimento, del mutamento e dell’incessante trasformazione della natura che l’artista riesce a plasmare la sua personale intuizione del mondo e a contribuire all’incessante apprendimento di quella “meccanica dell’universo”, che è alla base di tutti i suoi dipinti. Questa divina euritmia riesce a materializzarsi nei suoi giardini che diventano dei luoghi ideali e idealizzati della creazione, spogliandosi del loro significato figurativo ma vestendosi del ruolo di archetipo. Nella mente di Puma, i suoi giardini sono il luogo dove si manifestano i simboli matrice dell’universo: essi sono i luoghi abitati dalle sue creature che assumono continue metamorfosi caricandosi di significati e allegorie recondite; sono i luoghi di rivelazione del suo pensiero sotto il dominio incontrastato di Regine Madri della natura e di tutti gli elementi.
Sara Tagalialagamba
Storica dell’Arte, PhD e Post PhD (Ecole Pratique des Hautes Etudes, Sorbonne, Paris), è stata collaboratrice storica del Professor Carlo Pedretti, il più grande studioso al mondo di Leonardo da Vinci e titolare della cattedra di Leonardo Studies presso la UCLA di Los Angeles. Ha insegnato presso prestigiosi Istituti in Italia e all’estero, pubblicando monografie e articoli e ricevendo riconoscimenti di altissimo livello. I suoi campi di studio prediletti sono quelli della meccanica statica e dinamica, delle automazioni, della robotica, dell’ingegneria, dei congegni idraulici e pneumatici, delle fontane e dell’orologeria. Il suo primo libro “Automazioni e robotica di Leonardo da Vinci”, pubblicato nel 2010, ha ricevuto una menzione d’onore dalla rivista Scientific Americanin un articolo su alcuni automata costruiti alla Nasa. Oltre a essere impegnata con numerosi convegni internazionali e nel comitato scientifico di mostre importanti nell’anno delle celebrazioni per il cinquecento anni della morte di Leonardo, ha in uscita il libro Leonardo Industrial Designerdove studia un tema inedito scandito dal binomio di bellezza e utilità. È stata invitata come TED SPEAKER a Bergamo. Già visiting professor al dipartimento di Robotica della UNAM di Mexico City e alla UCLA (Los Angeles, USA) e borsista al Museo Galileo di Firenze, attualmente è direttore della Nuova Fondazione Rossana e Carlo Pedretti ed è professore associato al Dipartimento di Filosofia e Storia della Scienza all’Università di Urbino. Ama l’arte contemporanea ed è responsabile dell’organizzazione di eventi, mostre e incontri presso prestigiose istituzioni storiche, pubbliche e private.
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“Thank you for shopping!” di Florence Di Benedetto
2022-05-20 20:00 - 2022-06-19 21:00 | Genova
La pittura di Florence di Benedetto è vivace, allegra senza essere leggera, attraverso delle immagini e dei simboli presenti nell’immaginario collettivo e nella vita di tutti i giorni è in grado di entrare nei nostri pensieri e a portarci a riflettere su tematiche attuali e profonde, supportata da frasi brevi ma incisive.
La serie “There is beauty in everything” riesce ad entrare in una dimensione intima, dove gli oggetti di uso comune diventano essi stessi i simboli, le icone domestiche, alla portata di tutti.
In questa mostra le opere rappresentano COSE che acquisiscono una vera e propria personalizzazione: sono capaci di parlare al pubblico-consumatore e a metterlo di fronte alla sovrabbondanza di prodotti e alla facilità con cui la nostra società, fino ad ora, è abituata a venirne velocemente in possesso.
Il supermarket dunque come luogo simbolo della cultura pop, dove tutto è a disposizione in quantità e varietà infinite. Ma anche un luogo sacro, un tempio laico, depositario di desideri e speranze. Il consumismo come religione moderna.
Come i credenti di ogni fede affidano a riti e preghiere la direzione da seguire, anche noi, oggi più che mai, cerchiamo negli oggetti il compimento del nostro destino, il significato di quello che facciamo e di chi siamo. In un tempo in cui la precarietà e la solitudine sono ancora più presenti, tendiamo a circondarci di cose che rivestiamo di accezioni più ampie e profonde, con lo scopo di trovare una consolazione, una forma di rassicurazione.
La bellezza data dall’estetica dei lavori in mostra rende l’esperienza immersiva piacevole e divertente. Lo spettatore diventa parte attiva del processo, si mette in gioco e ne esce appagato.

Genova 60
2022-06-09 20:00 - 21:30 | Palazzo Saluzzo, Via Chiabrera, 7, Genova, (GE), 16123, Italia
In occasione della mostra “Genova 60”, che dal 14 aprile al 31 luglio 2022 aprirà al Palazzo Reale di Genova, nel Teatro del Falcone, la Galleria Studio Rossetti ospita un incontro con il curatore Luca Leoncini, organizzato e introdotto da Enrica Perilio.
L’evento si terrà giovedì 9 giugno alle ore 18.00 presso l’atrio di Palazzo Saluzzo, in Piazza dei Giustiniani.
L’obiettivo di questa grandiosa mostra-affresco è quello di raccontare le grandi trasformazioni di Genova negli anni sessanta del Novecento, un decennio di profondi cambiamenti dovuti all’irrompere di nuove idee e rinnovati stimoli culturali, di significativi mutamenti sociali, d’innovazioni economiche e nuovi linguaggi che hanno segnato un’accelerazione nelle produzioni delle arti visive.
In un pugno di anni la vecchia Genova si trasforma, calamitando grandi professionisti da fuori ma galvanizzando anche le risorse culturali proprie, per trasformare visioni in realtà. La mostra affronta questa energia della crescita in modo trasversale, poiché la creatività venne stimolata in tutti i settori, dall’arte, al design alla musica, alla cultura, all’economia.
Ulteriori informazioni sulla mostra al seguente link:
https://palazzorealegenova.beniculturali.it/genova-sessanta/

Ceci n’est pas Pop Art
2022-06-25 20:00 - 21:30 | Genova
Dalla Pop Art americana a quella europea: capita sovente di accostare artisti e immagini a questa corrente.
Ma cosa è la Pop Art, quali concetti racchiude? Cosa si può considerare Pop e cosa invece non lo è?
Tra la fine degli anni 50 e l’inizio degli anni 60 nasce la Pop Art, un movimento espressione della società del consumo e della comunicazione di massa.
Secondo alcuni la Pop Art – arte popolare – deve essere riproducibile e quindi per tutti, deve rappresentare la nuova realtà.
Secondo altri, la Pop Art è una denuncia dell’angoscia esistenziale del vuoto caotico camuffato di colori accesi e accattivanti.
Attraverso una narrazione guidata dal relatore Armando Battelli, cercheremo di scoprire insieme questo movimento, le sue origini ed evoluzioni!
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“Melting Point” di Andrea Savazzi
2022-10-06 20:00 - 2022-11-05 20:00 | Genova
Antico e moderno, decadimento e rinascita, natura e urbanizzazione, movimento e immutabilità.
Questi i temi delle opere esposte nella mostra “MELTING POINT” di Andrea Savazzi.
I vasti ambienti rappresentati dall’artista sono luoghi abbandonati, in un surreale ma apparente stato di congelamento.
Un brillio vitale erompe.
Sono costruzioni in cui la materia, ormai apparentemente consunta e sgretolata dal passare del tempo, conserva una forte energia e dove la natura, viva, in silenzioso movimento, prevale e si riappropria degli spazi.
Luoghi di un passato che vuole essere protagonista anche del presente, subendo le influenze della contemporaneità.
Luoghi che appartengono all’epoca industriale e che ci riportano a quella generazione che ha vissuto il boom economico del secondo dopoguerra, che ha assistito allo sbarco sulla luna, che ha avviato il Paese verso la modernizzazione.
Oggi però non rappresentano più il presente in cui viviamo.
E allora questi giganti di ferro e cemento diventano gli inconsapevoli “rifugi” dove le nuove generazioni esprimono furtivamente i propri pensieri e sentimenti, angosce e paure.
Un passato abbandonato, ma ancora esistente, che si interfaccia con la modernità e lascia spazio ad altre manifestazioni e rivive grazie all’espressione vivace della natura e della street art contemporanea.
Andrea Savazzi riesce a far convivere tutti questi elementi di eguale valore ed autorevolezza e, con grande maestria, li riporta sulla tela mostrando un’evidente maturità artistica.
L’immagine, nelle sue precedenti opere volutamente sfuocata, è ora potente e metafisica.
Macchie di umidità su un muro, un volto o un simbolo, piccole alterazioni che non disturbano mai la composizione e che spingono l’osservatore ad individuare l’essenza ultima ed assoluta della realtà al di là delle sue determinazioni relative.
Le tele di Savazzi si fanno melting point di due momenti e condizioni molto differenti.
Uno sta per esaurirsi e l’altro per prendere il sopravvento.
Vivono e convivono nel presente e sono diventati complementari.
Bellezza e armonia nascono proprio da questo perfetto e spontaneo equilibrio.
Un equilibrio di contrasti, destinato a mutare ed evolvere.Nell’allestimento della mostra saranno presenti interventi pittorici dell’artista Sebastiano Toncini.Virtual Tour

POP. Una rivoluzione culturale ed artistica
2022-10-20 20:00 - 21:30 | Rossetti Underground, Via Chiabrera, 7, Genova, (GE), 16123, Italia
Il professore e storico Daniele Grosso ci rivela attraverso le immagini più significative il senso profondo e le origini dell’arte POP americana e dell’esperienza italiana, selezionando letture di repertorio che verranno interpretate dall’attore Davide Quillico, unitamente ad una performance inedita sulla controversa figura di Andy Warhol.
Un evento culturale multidisciplinare e sfaccettato, vi aspettiamo giovedì 20 ottobre 2022 alle ore 18.00 negli spazi dello Studio Rossetti Underground.

Quali sono i 12 numeri primi della storia dell’arte?
2022-12-15 18:30 - 20:00 | Genova
A questa domanda, lo storico, critico e perito d’arte Armando Battelli ha risposto senza indugi che i grandi artisti della storia, quelli che hanno aperto le porte a nuovi movimenti e permesso lo sviluppo di correnti successive, sono pochi e facilmente individuabili.
Il nuovo “Incontro in galleria” nasce con il desiderio di dare vita ad un dibattito, un momento di condivisione ed anche di contestazione, un invito a tutti i partecipanti a formulare la propria “formazione” per far nascere un acceso confronto sulle varie idee.

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Presentazione del libro “The book” di Silvio Porzionato
2023-02-23 19:30 - 20:30 | Genova
La prima grande, inedita e completa opera editoriale dedicata all’artista Silvio Porzionato.
Un volume con copertina rigida che si divide in 3 sezioni per ben 264 pagine a colori.
Racconti, riflessioni, interviste e un catalogo delle opere, il tutto in doppia lingua, italiano e inglese.“Che fantastico spettacolo è la vita! Che intrigante intreccio di storie e persone. E che prezioso privilegio sarebbe poterla rivivere interpretata sul palco di un piccolo teatro, o proiettata sul grande schermo. Che meraviglioso viaggio, poter osservare la propria esistenza dall’esterno, rivederla e goderne come fosse un’opera teatrale di incredibile realismo”.È così che esordisce Silvio Porzionato nel suo catalogo monografico edito da iemme edizioni (Napoli, 2022). Un progetto editoriale che Alberto Tondella, il curatore del volume, descrive così: “Se la vita è un cammino, questo volume è una tappa, una sosta per fare due foto, bere un sorso d’acqua e voltarsi indietro per osservare quanta strada si è percorsa. Quella di Silvio, così come tante vite d’artista, è un’esistenza vissuta di corsa, col piede pigiato sull’acceleratore. È frenesia, è necessità di finire un’opera per poterne iniziare un’altra, è affanno di non avere abbastanza tempo per poter realizzare tutto ciò che l’anima riesce a immaginare.
the book è caratterizzato da tre anime. La prima è il racconto della vita artistica di Silvio, presentato attraverso immagini che parlano di ansie, di gioie, di obiettivi raggiunti e perduti. La seconda parte è una chiacchierata fra amici, davanti a un bicchiere di vino. La terza è un’importante raccolta delle opere più significative di Silvio”.
La presentazione del volume avrà luogo giovedì 23 febbraio alle 18.30, in presenza dell’artista Silvio Porzionato e dell’autore Alberto Tondella.
A me piace dipingere la carne,
mi piace dare luce agli occhi,
adoro tutte le sfumature di colori che ci sono sulla carne.
(S.P.)

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“Materia Abscondit” di Michela Crisostomi e Elias Naman
2023-03-23 19:00 - 2023-04-23 21:00 | Genova
Porzioni di corpo, frammenti di volti, dettagli di schiene sinuose, mani intrecciate, busti interrotti. Questi gli elementi che ci vengono forniti, concepiti dall’immaginario artistico di due artisti seppur così diversi per formazione, origine, ricerca ed espressione artistica: uno scultore e una pittrice messi a confronto nella mostra “Materia Abscondit”.
Da una parte Elias Naman, scultore di origini siriane che, come era d’uso in passato, lavora, con il solo impiego dello scalpello, blocchi di marmo di Carrara, la pietra più nobile la cui storia riecheggia nei secoli; dall’altra Michela Crisostomi, sapiente pittrice di origine abruzzese che dipinge le sue tele come se fossero muri antichi, ricoprendole di spessi strati di malta, materiale che veniva utilizzato per la realizzazione di affreschi, e applicando residui metallici e scritte.
L’ispirazione primordiale che accomuna i due artisti si rivela nel costante dialogo tra passato e presente, in un rapporto fra tradizione e modernità che conduce l’osservatore ad un immaginario trascendente. Entrambi gli artisti hanno assimilato i valori dei maestri del passato e, attraverso l’ideale di bellezza ereditato dall’antichità classica, creano un dialogo col mondo contemporaneo fatto di zoom e rapidi inquadrature.
Sebbene realizzati con metodi differenti, il lavoro dei due artisti è estremamente legato e condizionato dalla materia con cui lavorano: i blocchi e frammenti di marmo per Naman, la malta sulla tela per Crisostomi.
Elementi che sono in grado di evocare nella mente dei due artisti immagini che vengono fuori solo con l’esecuzione dell’opera. Partendo da un dato che è leggibile a tutti, ma che non tutti vedono, ci conducono a un livello superiore a quello ordinario.
Davanti ad una materia “muta” la loro sensibilità è in grado di ricondurli ad un ricordo o ad un sentimento a cui danno forma in un busto, un dorso, un seno.
Naman non realizza alcun disegno, alcun modello ma si abbandona alla sua inconsueta affinità con la fredda materia per rivelare ciò che essa nasconde; Crisostomi agisce sulle tele per trasformarle in muri da cui emergono figure intrappolate.
Le opere vengono concepite come se fossero dei ritrovamenti: “Materia Abscondit” è, infatti, la mostra dedicata alla riscoperta.
Dalla pietra e dalla malta escono fuori figure universali, talvolta androgine; figure alleggerite di strati, liberate dal velo delle illusioni; figure che diventano emblema dell’introspezione e della consapevolezza di sé stessi; figure nuovamente capaci di vedere con chiarezza la propria, unica vera essenza.
Le opere in mostra ci parlano della necessità di strappare via “il velo”, di ritrovarsi e di rivelarsi.

Finanza e Arte
2023-03-30 18:00 | Terrazza Colombo, via Gabriele D’Annunzio, 2, Genova, (GE), 16121, Italia
In occasione dell’evento Finanza e Arte la Zurich Bank ha ospitato la Rossetti Arte Contemporanea per allestire negli spazi di Terrazza Colombo una mostra collettiva degli artisti della galleria e invitato la gallerista a parlare di arte e finanza.

“Materia Abscondit, Mulier Revelat” – Gala Eluard Dalì, la musa del surrealismo
2023-04-13 20:00 - 21:30 | Genova
In occasione della mostra “Materia abscondit”, un viaggio nel femminile rivelato attraverso l’opera di due interessanti artisti contemporanei, il blog culturale The Meltin Pop – in collaborazione con la Galleria d’Arte Studio Rossetti e la libreria L’Amico Ritrovato di Genova – presenta l’evento “MATERIA ABSCONDIT, MULIER REVELAT” per celebrare colei che è stata la vera musa del surrealismo, Gala Éluard Dalì.
Helena Devulina Diakonoff, nota come Gala Éluard Dalì, fu modella, artista, mercante d’arte, moglie del poeta Éluard, amante di Max Ernst e poi sposa e musa ispiratrice di Dalì. Gala è la rappresentazione ‘al femminile’ del mondo dell’arte della prima metà del XX secolo. Nella sua genialità e nella capacità di rivelare i talenti degli uomini a cui si è dedicata, Gala Éluard Dalì è stata raccontata dalla penna della giornalista e scrittrice Anna Di Cagno che ne ha ripercorso la vita nella biografia romanzata “Gala Éluard Dalì. Per interposti uomini” pubblicata da Morellini Editore.
Giovedì 13 aprile 2023 alle ore 18 Arianna Destito Maffeo e Antonella Grandicelli incontreranno Anna Di Cagno presso la Galleria d’Arte Studio Rossetti in via Chiabrera 33r a Genova.
Ingresso libero fino ad esaurimento posti (non occorre prenotazione).
Aprile 1975, Pùbol, Gerona. Gala Éluard Dalì si ritira per una settimana in solitudine nel castello che il suo secondo marito, Salvador Dalì, le ha regalato. Una notte una ragazza bussa alla sua porta. Si apre così un incontro causale, che si svolge all’interno di quello che Dalì considerò il suo più grande capolavoro. In ogni stanza si apre uno squarcio sulla vita, incredibile e mitica, della Musa più celebre del surrealismo; una donna che ha segnato un’epoca, e ispirato il poeta e l’artista più famosi del movimento culturale.

“ERASED” di Paolo Ceribelli
2023-05-25 20:00 - 2023-06-25 21:00 | Genova
In occasione della Genova BeDesign Week 2023, che si terrà nel Distretto del Design dal 24 a l 28 maggio, la Galleria Studio Rossetti inaugura ERASED, la mostra personale dell’artista milanese Paolo Ceribelli con inaugurazione alle ore 18.00 di giovedì 25 maggio. Contemporaneamente i designer di SPX Lab, espositori della GBDW23 ed ospitati nello Studio Rossetti Underground, presenteranno un evento dedicato all’utilizzo del digitale come materia di design.
Nella mostra ”ERASED”, Paolo Ceribelli pone in essere l’evoluzione dell’indagine personale a cui, ormai da anni, si dedica con accurata dedizione. Nell’attuale ciclo l’artista propone una chiave di lettura volta allo stravolgimento dell’oggetto: l’obiettivo è propriamente quello di ribaltare la percezione dell’osservatore affinché scardini il significato convenzionale attribuito ad un simbolo, con l’intento successivo di condurlo a sviluppare una propria analisi sulla complessità della natura umana.
Le icone della guerra vengono estraniate, decontestualizzate. L’utilizzo del colore va a modificare la percezione dell’oggetto stesso ed attraverso la ripetizione metodica e seriale delle forme, talvolta ossessivamente ordinata e talvolta deliberatamente disordinata, l’idea consuetudinaria che esse rappresentano si cancella.
Ed ecco che assistiamo alla nascita di una rappresentazione olistica, dove pensieri di pace e guerra emergono e convivono in una complessa totalità ben più significativa dei concetti identificabili nelle singole forme.
Paolo Ceribelli non fonda la sua ricerca artistica su alcun pensiero militaristico, né il suo intento è quello di imporre una posizione prevaricante: obiettiva è l’analisi critica e costruttiva del sé e delle proprie guerre interiori. La tendenza alla guerra e il desiderio di pace sono forze che convivono nell’essere umano e ne condizionano l’interpretazione della realtà circostante. Nella mostra “ERASED” assistiamo alla cancellazione delle consuetudini per fare spazio alle proprie percezioni, alle ricerche profonde dell’opposto di sé e alla consapevolezza delle proprie lotte interne, punto di partenza per il miglioramento personale. E’, infatti, l’osservatore a decidere se considerare quello che può sembrare un messaggio inequivocabile come una dichiarazione di guerra o di pace.

OPERAE di Gianni Lucchesi
2023-10-05 20:00 - 2023-11-05 19:00 | Piazza De Ferrari, Piazza De Ferrari, Genova, (GE), 16121, Italia
La Galleria Studio Rossetti presenta Operae di Gianni Lucchesi.
L’installazione è alta 13 metri e costituita da 12 cubi in cemento, alla cui sommità è collocata la scultura a grandezza naturale di un uomo seduto con lo sguardo verso l’orizzonte.
L’interpretazione. La conoscenza, il sapere ed il costruire traggono forza da un intreccio tra passato, presente e futuro. L’uomo vive il presente, abbandonato ad accogliere tutti gli stimoli offerti dall’ambiente circostante in sintonia con la natura. Osserva il futuro davanti a sé, sostenuto da una colonna che simboleggia il valore e l’importanza del proprio intelletto nella storia, alla ricerca delle leggi che regolano l’armonia dell’universo.
La sequenza di Fibonacci. Osservando la scultura dall’apice, ovvero dal blocco su cui è seduto l’uomo, la sequenza di Fibonacci scandisce la rotazione dei cubi che, sovrapposti in asse l’uno all’altro, sorreggono l’uomo in atteggiamento contemplativo. Essi subiscono una leggera torsione, una rotazione di pochi gradi, realizzando appunto la sequenza aurea 1,1,2,3,5. Metaforicamente, la costruzione non è ancorata al terreno dalla gravità: al contrario, è sostenuta dall’intelletto dell’uomo.
Giordano Bruno. Su tutta la lunghezza della colonna sono impressi in oro i sigilli ermetici di Giordano Bruno, in una intensità decrescente dall’alto verso il basso. Mediante uno sforzo immaginativo, esprimono le forme della natura per mezzo dell’intuito, capace di rendere in comunione la nostra vera essenza con l’universo infinito.
Una scuola di grandi artisti, un team di grandi aziende.
La scultura Operae di Gianni Lucchesi è un progetto elaborato in collaborazione con Carlo Alberto Arzelà, Julia Caracciolo, Sandra Bozzarelli e lo studio Hangar.
L’artista ha sviluppato con l’azienda Giannoni & Santoni sia le soluzioni costruttive dell’opera che le finiture estetiche delle superfici dei cubi in cemento grazie all’utilizzo delle moderne tecnologie dell’azienda mescolate ad un artigianato di alto valore artistico. L’artista ha modellato a spatola e patinato la scultura in resina grazie alla collaborazione con l’azienda Poliart, leader nella moderazione 3D di polistirene espanso. Filotto Srl ha progettato e realizzato l’illuminazione interna ed esterna dell’opera. Lo Studio | Ingegneria e Dintorni di Pisa ha progettato la statica dell’opera. Gli sponsor che hanno reso possibile l’installazione su Genova sono PSA Italy, I.M.S. S.p.A, Ticketcrociere e DPS Online.
Save the Date. Giovedì 5 ottobre alle ore 18, in concomitanza con Genova START, la notte bianca dell’arte contemporanea, verrà inaugurata la mostra personale dell’artista presso la Galleria Studio Rossetti in via Chiabrera 33r.
La mostra è curata dalla scrittrice e curatrice d’arte Alessandra Redaelli e sarà visitabile negli orari di apertura della galleria fino al 5 novembre 2023.
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"Houston, che sfortuna" di Gianni Lucchesi
2023-10-05 21:00 - 2023-11-05 20:00 | Genova
Testo critico a cura di Alessandra Redaelli

Da sempre l’indagine di Gianni Lucchesi verte intorno al nostro sentire e al nostro non (voler) sentire, al guardarsi dentro e al guardare fuori. Fin da quando si muoveva nell’ambito di un astratto lirico, emozionante. Poi nella vita dell’artista accade qualcosa. Uno di quegli eventi terribili e illuminanti che ribaltano le prospettive. E all’improvviso il suo linguaggio si fa figurativo.
Le relazioni con gli altri e con l’ambiente sono il paesaggio su cui si muovono le sue figure, piccole ma definite nel dettaglio dell’abito. E l’abito è quello che si indossa per andare a fare un lavoro “serio”, magari dietro una scrivania, immersi dentro una normalità dove l’adeguatezza sfiora i limiti dell’alienazione. Piccoli personaggi che sono uomo in quanto umanità; che ci raccontano i propri conflitti interiori e lo sgomento del fuori.
In questa narrazione di un’umanità perduta dentro se stessa, troppo occupata a osservare il mondo con gli occhi bendati per rendersi contro di dove il suo fare la stia portando, non c’è giudizio né lezione morale: piuttosto la fotografia di un disagio, condotta sempre con lo sguardo alla bellezza, dentro spazi caldi, su superfici vivide tagliate dalla luce. Il golfista, solo, si china sulla pallina al centro di uno spazio annichilito, distrutto, inequivocabilmente attraversato da qualcosa di inemendabile, fingendo che intorno a lui ci sia un prato verde: una cecità che ha il sapore della negazione, ancora più lampante quando si guarda come si muove, sulla stessa superficie bruciata, il branco dei cervi.

Fedele a un’economia del racconto che si accompagna al minimalismo cromatico, Lucchesi ha scelto a lungo un solo animale, il cervo appunto, per fare da contraltare alla figura umana. Maestoso, inafferrabile, intriso di simbologie magiche di rinascita, incarna per l’artista l’istinto puro. Mentre l’uomo si perde nella sua illusione, l’animale forma intorno a sé il branco e cerca una via di fuga.
La lepre di questo nuovo progetto arriva a completare un percorso precisissimo: l’istinto infallibile si tinge di poesia e diventa qui immaginazione creativa. In un balzo – così come accade nella canzone di Lucio Corsi, un cui verso fa da titolo alla mostra – è arrivata sulla Luna.
Un gesto rivoluzionario, titanico: l’animale ha capito che il pianeta sta implodendo e allora va via, altrove. Non pensa a come arrivarci, a che cosa si lascia alle spalle, a come si nutrirà e nemmeno a come respirerà. Il suo istinto le ha detto di andare, e lei va.

Genova BookPop Festival 2023
2023-10-18 10:00 - 2023-10-22 19:00 | Genova
Dal 18 al 22 ottobre 2023 nella galleria Rossetti Arte Contemporanea si svolgerà il Genova BookPop Festival, una manifestazione, ideata dal blog Themeltinpop con la scrittrice Sara Rattaro, che ospiterà autori, editori, giornalisti, docenti di scrittura creativa e di lettura espressiva, con l’intento di offrire alla nostra città, riconosciuta Capitale del Libro 2023 dal Ministero della Cultura, un evento interamente dedicato ai libri e ai lettori.
Genova BookPop Festival sarà una rassegna culturale con un programma ricco di incontri, dibattiti, workshop e momenti di convivialità. Uno spazio aperto alla condivisione, un’occasione per incontrarsi, stare insieme, conoscersi.
Il festival si svolgerà nel cuore di Genova, toccando tre luoghi di grande fascino – il centro storico con la Rossetti Arte Contemporanea, lo spazio dei Giardini Luzzati e il Palazzo Ducale con le Cisterne del Ducale. L’evento è stato realizzato in collaborazione con CDM Lab, associazione che si occupa di cultura a tutto tondo.
Programma

Un dialogo con l'artista Gianni Lucchesi
2023-10-31 18:00 - 19:30 | Genova
Martedì 31 ottobre alle ore 18.00 avrà luogo un incontro molto speciale, saranno presenti in galleria l’artista Gianni Lucchesi e la curatrice Alessandra Redaelli.
In quest’occasione, avremo la possibilità di ascoltare argomentazioni e confronti in merito a tutte le tematiche affrontate dall’artista, ma soprattutto di rivolgere le domande che ci hanno incuriosito in merito al suo lavoro e al suo pensiero artistico.
“Con l’ironia e l’elegante essenzialità che contraddistingue da sempre la sua cifra stilistica, Lucchesi pone in contrapposizione il comportamento dell’uomo e quello dell’animale, le loro opposte reazioni ed il loro diverso rapporto nei confronti dei propri simili. L’obiettivo è quello di stimolare una riflessione critica da parte dell’osservatore riguardo al rapporto uomo-ambiente e la percezione di se` stesso con e nello spazio circostante. Lucchesi non dà lezioni, né risposte. Indica. Al massimo pone qualche domanda. Ma le domande sono di quelle che bruciano.”
Vi aspettiamo in galleria!
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“La donna che salvò la bellezza” di Sara Rattaro
2023-11-22 18:30 | Genova
Un nuovo appuntamento organizzato dalle ragazze di TheMeltinPop, il blog letterario che si dedica con passione a tutte le tematiche culturali legate alla società e al territorio.
Mercoledì 22 novembre alle ore 18.30, negli spazi della nostra galleria, verrà presentato “La donna che salvò la bellezza”, il nuovo libro di Sara Rattaro.
Un romanzo intenso e appassionante che racconta la storia di Fernanda Wittgens, la prima direttrice donna della Pinacoteca di Brera, che con coraggio ha sfidato il nazifascismo e ha salvato non solo opere di inestimabile valore, ma anche vite umane.
Saranno presenti le fondatrici del blog, Antonella Grandicelli e Arianna Destito Maffeo, che introdurranno la discussione, assieme a Lucia Caponetto, la quale renderà questo incontro ancora più avvincente grazie alle sue travolgenti letture dal vivo.
